Un altre temps (Otro tiempo) – Wystan Hugh Auden



¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Un altre temps (Otro tiempo) de Wystan Hugh Auden. Esta edición es en catalán (y los poemas originales en inglés).

Sinopsis

“Auden es el primer poeta de lengua inglesa que se sintió como en casa en el siglo XX”, como dijo su albacea, Edward Mendelson, en el prólogo de los Selected Poems: “Acogió en su poesía todas las circunstancias convulsas de su tiempo, toda la variedad de lenguajes y sucesos”. Mientras sus predecesores, cada uno a su manera, apelaban nostálgicamente a una forma u otra de paraíso perdido y de grand style, Auden se dejó absorver por las agitaciones políticas, sociales, morales, psicológicas y religiosas de su época y las fue reflejando desde diversos puntos de vista a medida que pasaba el tiempo hasta configurar una auténtica visión del mundo, aspecto que estaba al alcance de muy pocos poetas. En este sentido, pocas obras poéticas deben haber sido tan representativas de un siglo como la de Auden, que encarna los principales nódulos de tensiones y contradicciones que lo cruzan de arriba a abajo. Pero no nos engañemos: la historia es historia, y la poesía aspira justamente a no serlo. La fuerza y la originalidad de la obra poética de Auden se encuentran en su simultánea capacidad de absorción, meditación y regurgitación de la historia -pública o privada- que le tocó vivir, de la que no solo no se desembarazó, sino que la quiso atender, reflejar y en cierta manera transcender o resolver, aunque solo fuese en una planto espiritual o estético.

Autor

Wystan Hugh Auden, más conocido como W. H. Auden (York, 21 de febrero, 1907 – Viena, 29 de septiembre, 1973), fue un poeta y ensayista británico, nacionalizado estadounidense en 1946.

Nació en York (Inglaterra), hijo del médico George Augustus Auden y de Constance Rosalie Bicknell. Fue el menor de tres hijos: el mayor, George Bernard Auden, se convirtió en granjero, mientras que el segundo, John Bicknell Auden, fue geólogo.

En 1939, Auden se trasladó a Estados Unidos, donde se hizo ciudadano estadounidense en 1946. Estudió en la Escuela Gresham y más tarde en la Universidad de Oxford. Su nombre apareció relacionado con otras figuras de la vida literaria inglesa como Stephen Spender o Christopher Isherwood.

Sus poemas tempranos fueron escritos a fines de los años 1920 y, desde 1930, alternó un estilo telegráfico moderno y un modo de escribir fluido de corte tradicional, escrito con un tono dramático e intenso, que logró una reputación casi profética. Tras su ida a América, cambió el tono y exploró temas religiosos y dramáticos. Su obra poética es conocida por sus logros estilísticos y técnicos novedosos, su compromiso con los principales asuntos morales y políticos de su tiempo, y por su variedad de tonos, formas y contenidos. Los temas centrales de su poesía son: el amor personal, la política y el concepto de ciudadanía, la religión y la moral, y la relación entre los seres humanos como individuos y el anónimo e impersonal mundo de la naturaleza.

Está considerado como uno de los más grandes escritores del siglo XX, y ha sido —en lengua inglesa— equiparado con Yeats y T.S. Eliot. Fue premiado con el Bollingen Prize y el National Book Award.

Asimismo, fue un ensayista de primera fila, como el propio T.S. Eliot. Destacan sus estudios sobre Shakespeare, pero también los escritos sobre escritores y músicos como Goethe, Virginia Woolf, Valéry, Wilde, Cavafis, Hofmannsthal, Wagner y Verdi.

La Academia Sueca consideró candidato al Premio Nobel de Literatura a Auden en 1963, cuando fue parte de una lista junto con el irlandés Samuel Beckett,​ el japonés Yukio Mishima, el chileno Pablo Neruda, el danés Aksel Sandemose y el griego Giorgos Seferis. Luego, formó la terna final junto con Neruda y Seferis, a quien finalmente le fue concedido.​

En 1935, Auden se casó con Erika Mann, la hija del novelista alemán Thomas Mann. Fue un matrimonio de conveniencia para que ella consiguiera la nacionalidad británica y la posibilidad de escapar de la Alemania nazi, puesto que Auden era homosexual.

Auden publicó unos cuatrocientos poemas, incluidos siete poemas largos (dos de ellos de un libro). Su poesía fue enciclopédica en alcance y método, que va desde el oscuro modernismo del siglo XX a las formas tradicionales como las baladas y quintillas, a través de los haikus a un “Oratorio de Navidad” y una égloga barroca en metros anglosajones.​ El tono y el contenido de sus poemas iban desde clichés de canciones populares hasta complejas meditaciones filosóficas, desde los callos en los dedos de los pies hasta los átomos y las estrellas, desde las crisis contemporáneas hasta la evolución de la sociedad.

También escribió más de cuatrocientos ensayos y reseñas sobre literatura, historia, política, música, religión y muchos otros temas. Colaboró ​​en obras de teatro con Christopher Isherwood y en libretos de ópera con Chester Kallman, y trabajó con un grupo de artistas y cineastas en documentales en la década de 1930 y con el grupo de música antigua Pro Musica de Nueva York en los años 1950 y 1960. Acerca de la colaboración escribió en 1964: “la colaboración me ha traído una mayor alegría erótica… que cualquier relación sexual que haya tenido”.​

Auden reescribió políticamente o descartó algunos de sus poemas más famosos cuando preparó sus últimas ediciones recopiladas. Escribió que rechazó poemas que le parecieron “aburridos” o “deshonestos” en el sentido de que expresaban puntos de vista que nunca había tenido, pero que había utilizado solo porque consideraba que serían retóricamente eficaces.​ Sus poemas rechazados incluyen “España” y “1 de septiembre de 1939”. Su ejecutor literario, Edward Mendelson, argumenta en su introducción a Selected Poems que la práctica de Auden reflejaba su sentido del poder persuasivo de la poesía y su renuencia a usarla mal.​ (Selected Poems incluye algunos poemas que Auden rechazó y textos tempranos de poemas que revisó).

Auden comenzó a escribir poemas a los trece años, sobre todo en los estilos de poetas románticos del siglo XIX, especialmente Wordsworth, y poetas posteriores con intereses rurales, especialmente Thomas Hardy. A los dieciocho años descubrió a T. S. Eliot y adoptó una versión extrema del estilo de Eliot. Encontró su propia voz a los veinte años cuando escribió el primer poema más tarde incluido en su obra recopilada, “Desde la primera vez que descendió”.​ Este y otros poemas de finales de la década de 1920 tendían a ser de un estilo recortado y elusivo que aludía, pero no describía directamente, sus temas de soledad y pérdida. Veinte de estos poemas aparecieron en su primer libro Poemas (1928), un panfleto impreso a mano por Stephen Spender.

En 1928 escribió su primer trabajo dramático, Paid on Both Sides, subtitulado “A Charade“, que combinaba estilo y contenido de las sagas islandesas con bromas de la vida escolar inglesa. Esta mezcla de tragedia y farsa, con un juego de ensueño dentro de un juego, introdujo los estilos mixtos y el contenido de gran parte de su obra posterior.​ Este drama y treinta poemas cortos aparecieron en su primer libro publicado Poemas (1930, 2a edición con siete poemas reemplazados, 1933); los poemas en el libro eran principalmente meditaciones líricas y gnómicas sobre el amor esperado o no consumado y sobre temas de renovación personal, social y estacional; entre estos poemas estaban “Era Pascua mientras caminaba“, “La condenación es oscura“, “Señor, ningún enemigo del hombre” y “Esta belleza lunar“.

Un tema recurrente en estos poemas tempranos es el efecto de “fantasmas familiares”, el término de Auden para los efectos psicológicos poderosos e invisibles de las generaciones precedentes sobre cualquier vida individual (y el título de un poema). Un tema paralelo, presente a lo largo de su trabajo, es el contraste entre la evolución biológica (no elegida e involuntaria) y la evolución psicológica de las culturas y los individuos (voluntaria y deliberada incluso en sus aspectos subconscientes).

El siguiente trabajo a gran escala de Auden fue The Orators: An English Study (1932, ediciones revisadas, 1934, 1966), en verso y prosa, en gran parte sobre el culto a los héroes en la vida personal y política. En sus poemas más cortos, su estilo se hizo más abierto y accesible, y las exuberantes “Seis Odas” en Los Oradores reflejan su nuevo interés por Robert Burns. Durante los siguientes años, muchos de sus poemas tomaron su forma y estilo de baladas tradicionales y canciones populares, y también de formas clásicas expansivas como las Odas de Horacio, que parece haber descubierto a través del poeta alemán Hölderlin. Alrededor de esta época, sus principales influencias fueron Dante, William Langland y Alexander Pope.

Durante estos años, gran parte de su trabajo expresaba opiniones izquierdistas, y se hizo ampliamente conocido como un poeta político aunque en privado era más ambivalente sobre la política revolucionaria de lo que muchos críticos reconocieron, y Mendelson argumenta que expuso puntos de vista políticos en parte por un sentido de deber moral y en parte porque mejoró su reputación, y que más tarde lamentó haberlo hecho.​ Generalmente escribió sobre el cambio revolucionario en términos de un “cambio del corazón”, una transformación de una sociedad de una psicología del miedo cerrada a una psicología abierta del amor.​

Su drama en verso The Dance of Death (La danza de la muerte) (1933) fue una extravagancia política al estilo de una revista teatral, que Auden luego denominó “un salto nihilista”.​ Su siguiente obra The Dog Beneath the Skin (1935), escrita en colaboración con Isherwood, fue similarmente una actualización casi marxista de Gilbert y Sullivan en la que la idea general de transformación social era más prominente que cualquier acción o estructura política específica.

The Ascent of F6 (1937), otra obra escrita con Isherwood, era en parte una sátira antiimperialista, en parte (en el personaje del escalador autodestructivo Michael Ransom) un examen de los motivos de Auden para asumir un papel público como poeta político. Esta obra incluye la primera versión de “Funeral Blues” (“Detener todos los relojes“), escrita como un elogio satírico para un político. Posteriormente, Auden reescribió el poema como una “canción de cabaré” sobre el amor perdido (escrita para ser cantada por la soprano Hedli Anderson, para quien escribió muchas letras en la década de 1930). En 1935, trabajó brevemente en documentales con G.P.O. Film Unit, escribiendo su famoso comentario en verso para Night Mail y libretos de otras películas que fueron uno de sus intentos en la década de 1930 para crear un arte ampliamente accesible y socialmente consciente.

En 1936, el editor de Auden eligió el título Look, Stranger! para una colección de odas políticas, poemas de amor, canciones cómicas, letras meditativas y una variedad de versos intelectualmente intensos pero emocionalmente accesibles; Auden odiaba el título y retituló la colección para la edición estadounidense de 1937, En esta isla. Entre los poemas incluidos en el libro están “Rumor de cosechas“, “En el césped, me acuesto en la cama“, “O qué es ese sonido“, “Mira, extraño, en esta isla ahora“, y ” Nuestros padres cazadores“.

Auden argumentaba que un artista debería ser una especie de periodista, y puso esta visión en práctica en Letters from Iceland (1937), un libro de viajes en prosa y verso escrito con Louis MacNeice, que incluía su largo comentario social, literario y autobiográfico “Carta a Lord Byron“.​ En 1937, después de observar la Guerra Civil Española, escribió un poema panfletario con intención política, España (1937); luego lo descartó de sus obras completas. Viaje a la Guerra (1939), un libro de viajes en prosa y verso fue escrito con Isherwood después de su visita a la Guerra Chino-Japonesa. La última colaboración de Auden con Isherwood fue su tercera obra, On the Frontier, una sátira contra la guerra escrita en los estilos de Broadway y el West End.​

Los poemas más cortos de Auden ahora se relacionan con la fragilidad y la fugacidad del amor personal (“Danse Macabre“, “El sueño“, “Pon tu cabeza dormida“), un tema que trató con ingenio irónico en sus “Cuatro canciones de cabaret para Miss Hedli Anderson” (que incluía “Dime la verdad sobre el amor” y la versión revisada de “Funeral Blues“), y también el efecto corruptor de la cultura pública y oficial en las vidas individuales (“Casino“, “School Children“, “Dover“). En 1938 escribió una serie de baladas oscuras e irónicas sobre el fracaso individual (“Miss Gee“, “James Honeyman“, “Victor“). Todo esto apareció en Another Time (1940), junto con poemas que incluyen “Dover“, “As He Is” y “Musée des Beaux Arts” (todos los cuales fueron escritos antes de que se mudara a Estados Unidos en 1939), y “In Memory de WB Yeats“,”The Unknown Citizen“,”Law Like Love“,”1 de septiembre de 1939” y “In Memory of Sigmund Freud” (todos escritos en Estados Unidos).

Las elegías para Yeats y Freud son en parte declaraciones antiheroicas, en las que se realizan grandes hazañas, no por genios únicos que otros no pueden esperar imitar, sino por individuos ordinarios que eran “tontos como nosotros” (Yeats) o de los cuales podría decirse que “él no era listo en absoluto” (Freud), y que se convirtió en maestro de otros.​

En 1940 Auden escribió un largo poema filosófico “Carta de Año Nuevo“, que apareció con notas misceláneas y otros poemas en The Double Man (1941). En el momento de su regreso a la Comunión Anglicana, comenzó a escribir versos abstractos sobre temas teológicos, como “Canzone” y “Kairos y Logos“. Alrededor de 1942, a medida que se sentía más cómodo con temas religiosos, su verso se volvió más abierto y relajado, y usaba cada vez más el verso silábico que había aprendido de la poesía de Marianne Moore.​

El trabajo de Auden en esta época aborda la tentación del artista de utilizar a otras personas como material para su arte en lugar de valorarlas por sí mismas (“Próspero a Ariel“) y la obligación moral correspondiente de hacer y mantener compromisos mientras reconoce la tentación de romperlos (“En enfermedad y salud“). De 1942 a 1947 trabajó principalmente en tres largos poemas en forma dramática, cada uno diferente de los demás en forma y contenido: “Por el tiempo: un oratorio de Navidad“, “El mar y el espejo: un comentario sobre La tempestad de Shakespeare“. (ambos publicados en For the Time Being, 1944), y The Age of Anxiety: A Baroque Eglogue (publicado separadamente en 1947). Los primeros dos, con otros poemas nuevos de Auden de 1940 a 1944, se incluyeron en su primera edición recopilada, The Collected Poetry of W. H. Auden (1945), con la mayoría de sus poemas anteriores, muchos en versiones revisadas.

Después de completar The Age of Anxiety en 1946 se centró de nuevo en poemas más cortos, notablemente “A Walk After Dark“, “The Love Feast” y “The Fall of Rome“. Muchos de ellos evocaban el pueblo italiano donde veraneó en 1948-57, y su siguiente libro, Nones (1951), tenía una atmósfera mediterránea nueva en su trabajo. Un nuevo tema era la “importancia sagrada” del cuerpo humano​ en su aspecto ordinario (respirar, dormir, comer) y la continuidad con la naturaleza que el cuerpo hacía posible (en contraste con la división entre humanidad y naturaleza que había enfatizado en la década de 1930);​ sus poemas sobre estos temas incluyeron “En alabanza a la piedra caliza” (1948) y “Memorial para la ciudad” (1949). En 1949 Auden y Kallman escribieron el libreto para la ópera The Rake’s Progress de Igor Stravinsky, y más tarde colaboraron en dos libretos para óperas de Hans Werner Henze.​

El primer libro en prosa independiente de Auden fue The Enchafèd Flood: The Romantic Iconography of the Sea (1950), basado en una serie de conferencias sobre la imagen del mar en la literatura romántica.​ Entre 1949 y 1954 trabajó en una secuencia de siete poemas del Viernes Santo, titulada “Horae Canonicae“, un estudio enciclopédico de la historia geológica, biológica, cultural y personal, centrado en el acto irreversible del asesinato; el poema también fue un estudio en ideas cíclicas y lineales del tiempo. Mientras escribía esto, también escribió “Bucolics“, una secuencia de siete poemas sobre la relación del hombre con la naturaleza. Ambas secuencias aparecieron en su siguiente libro, El escudo de Aquiles (1955), con otros poemas cortos, incluido el poema del título del libro, “Visita de la flota” y “Epitafio para el soldado desconocido“.

En 1955-56 Auden escribió un grupo de poemas sobre “historia”, el término que solía referirse al conjunto de eventos únicos hechos por elecciones humanas, en oposición a “naturaleza”, el conjunto de eventos involuntarios creados por procesos naturales, estadísticos, y fuerzas anónimas como multitudes. Estos poemas incluyen “T the Great“, “The Maker“, y el poema del título de su siguiente colección Homenaje a Clio (1960).

A finales de la década de 1950, el estilo de Auden se volvió menos retórico, mientras que su gama de estilos aumentó. En 1958, tras trasladar su residencia de verano de Italia a Austria, escribió “Adiós al Mezzogiorno“; otros poemas de este período incluyen “Dichtung und Wahrheit: Un poema no escrito“, un poema en prosa sobre la relación entre el amor y el lenguaje personal y poético, y el contraste “Dame Kind“, sobre el instinto reproductivo impersonal anónimo. Estos y otros poemas, incluidos sus poemas sobre la historia de 1955-66, aparecieron en Homage to Clio (1960). Su libro en prosa The Dyer’s Hand (1962) reunió muchas de las conferencias que dio en Oxford como profesor de poesía en 1956-61, junto con versiones revisadas de ensayos y notas escritas desde mediados de la década de 1940.​

Entre los nuevos estilos y formas del trabajo posterior de Auden se encuentran el haiku y el tanka que comenzó a escribir después de traducir haikus y otros versos en Dag Hammarskjöld. Una secuencia de quince poemas sobre su casa en Austria, “Acción de Gracias por un Hábitat” (escrita en varios estilos que incluían una imitación de William Carlos Williams) apareció en About the House (1965), junto con otros poemas que incluían su reflexión sobre sus conferencias, “En el circuito“. A finales de la década de 1960 escribió algunos de sus poemas más vigorosos, incluyendo “River Profile” y dos poemas que rememoraron su vida, “Prologue at Sixty” y “Forty Years On“. Todos estos aparecieron en City Without Walls (1969). Su pasión de por vida por la leyenda islandesa culminó en su traducción en verso de The Elder Edda (1969). Entre sus temas posteriores figuraba el “cristianismo sin religión” que aprendió en parte de Dietrich Bonhoeffer, el destinatario de su poema “El niño del viernes“​.

A Certain World: A Commonplace Book (1970) era una especie de autorretrato hecho de citas favoritas con comentarios, ordenadas alfabéticamente por tema.​ Su última prosa fue una selección de ensayos y reseñas, Forewords and Afterwords (1973).​ Sus últimos libros de verso, Epístola a un ahijado (1972) y el inconcluso Gracias, Niebla (publicado póstumamente, 1974) incluyen poemas reflexivos sobre el lenguaje (“Lingüística Natural“) y sobre su propio envejecimiento (“Un saludo de Año Nuevo“, “Hablando conmigo mismo“, “Una canción de cuna” [“El estrépito del trabajo es moderado“]). Su último poema completo fue “Arqueología“, sobre el ritual y la atemporalidad, dos temas recurrentes en sus últimos años.​

¡Buena lectura!



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Irlanda indòmita (Irlanda indómita) – William Butler Yeats



¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Irlanda indòmita (Irlanda indómita) de William Butler Yeats. Esta edición es en catalán (y los poemas originales en inglés).

Sinopsis

La vida y la obra de William Butler Yeats van indisolublemente unidas en su país, Irlanda, y a la experiencia de los años de lucha por la independencia. Su relación con el movimiento independentista no fue nada fácil. Yeats aspiraba una Irlanda diferente, con una sensibilidad y una cultura distintas, basadas en las antiguas raíces celtas, aún vivas en el pueblo, que, unidas al rigor intelectual y formal, habían de marcar la diferencia con el materialismo del mundo inglés y, en general, del mundo moderno.

Esta posición, decididamente decantada a favor del arte y del espíritu, le causó numerosos malentendidos y conflictos, pero al mismo tiempo le llevó a escribir unos poemas que son de los más sólidos y emocionantes del siglo XX.

La presente antología de 150 poemas (en homenaje al 150 aniversario de su nacimiento) es la primera en catalán que incluye poemas de todos los libros que publicó a lo largo de cincuenta años y que permite, por tanto, reseguir la evolución de Yeats desde sus inicios románticos hasta la poesía basada en su experiencia personal y colectiva de tantos años.

Autor

William Butler Yeats (Dublín, 13 de junio de 1865 – Roquebrune-Cap-Martin, Francia, 28 de enero de 1939) fue un poeta y dramaturgo irlandés. Envuelto en un halo de misticismo, fue una de las figuras más representativas del renacimiento literario irlandés y uno de los fundadores del Abbey Theatre. También ejerció como senador. Fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1923.

William Butler Yeats nació en Georgeville, cerca de Sandymount Castle, en Dublín (Irlanda), hijo del pintor John Butler Yeats y de Susan Pollexfen Yeats, de una familia angloirlandesa de comerciantes protestantes. Su abuelo, llamado también William Butler Yeats, era rector de la Iglesia de Irlanda, pero su padre era un nacionalista escéptico y ateo. El carácter del joven poeta combinó ambos mundos en un extraño misticismo que le permitía a la vez rechazar la religión tradicional y el cientifismo estéril. El biógrafo Richard Ellmann escribe al respecto: «Eligió una fe excéntrica en algún lugar entre las creencias ortodoxas de su abuelo y los descreimientos no ortodoxos de su padre».

En 1867, a los dos años, Yeats se trasladó con su familia a Londres, al número 23 de la calle Fitzroy. Allí permaneció apenas cinco años, pues en julio de 1872 regresó con su madre y sus hermanos al condado irlandés de Sligo, a la casa de sus abuelos William y Elizabeth Pollexfen en el distrito de Merville. Allí se empapó de los cuentos de hadas que contaba la gente sencilla de Irlanda; su misma madre le contó muchas historias de duendes y gnomos, mientras que los campesinos relataban experiencias con la «gente pequeña». Sin duda este periodo marcó para siempre su carácter, como él mismo admitió: «El lugar que realmente tuvo mayor influencia en mi vida fue Sligo».

En octubre de 1874 vuelve de nuevo con su familia a Londres y se instala en Edith Villas. Allí su padre se relaciona con un grupo de pintores de la Hermandad Prerrafaelista. En la primavera de 1877 William comienza sus estudios en la escuela londinense de Godolphin de Hammersmith, pero ante el escaso éxito de su padre como pintor marchan en el verano de 1881 a Balscadden Cottage, en Howth, cerca de Dublín. Yeats empieza a escribir y leer poesía. Estudia en la Erasmus Smith High School hasta diciembre de 1883, de forma poco aplicada y distraída, ya que lo único que parecía interesarle de verdad era la poesía.

En 1884 intentó en vano asistir al Trinity College; más tarde y a su pesar ingresa en la Escuela Metropolitana de Arte de Dublín, donde estudia pintura. Allí conoce a George William Russell (que usó el pseudónimo de AE), y éste le inicia en el mundo de lo esotérico y sobrenatural. Comienza a escribir poesía simbolista y a experimentar con visiones y alucinaciones. Detesta la ciencia, a la que veía en contraste directo con la poesía, la belleza y la verdad, y, tras renunciar al credo protestante en 1880, empieza a sentirse atraído por el budismo.

En 1896 regresó a Irlanda, donde se integró en el movimiento del renacimiento literario de su país y entabló amistad con la dramaturga nacionalista lady Isabella Augusta Gregory, en cuya casa se hospedó a veces para recobrar su quebrantada salud y que lo sacó de la depresión a que lo había abocado el final de tan larga historia de amor; con su ayuda fundó el Teatro Abbey y la Compañía de Teatro Nacional Irlandés (1901), fundamentales en el desarrollo cultural de la Irlanda de esos años. Yeats escribió algunas piezas para esta compañía, de la que fue director hasta su misma muerte. Al principio su inspiración para estas obras vino de la mitología céltica irlandesa, frecuentemente en torno al héroe Cúchulainn, la heroína Deirdre y el Ciclo de Ulster, bajo una fuerte impronta simbolista; Yeats estrenó en total las siguientes piezas, por orden cronológico: La condesa Cathleen (1892, representada en 1899); El país de nuestros deseos (1894); Cathleen Ni Houlihan (1902); The Pot of Broth (1902); Las aguas tenebrosas (1900, estrenado en 1904); El reloj de arena (1903); En los siete bosques (1903); El umbral del palacio del rey (1904); On Baile’s Strand (1904); Deirdre (1906), El Unicornio de las Estrellas (1907); El yelmo verde (1910) y El gato y la Luna. Agotado el modelo del teatro simbolista, con el que Yeats quiso enfrentarse al Naturalismo ibseniano que imperaba en los escenarios ingleses, intentó innovar asimilando ciertos influjos del teatro nō japonés, que empezaba a conocerse en Europa a través de las traducciones de su secretario, el también poeta Ezra Pound; incorporó la ritualidad que caracteriza esta dramaturgia, empleó máscaras y gestos e incluyó coros, danzas y música ceremonial. Los elementos simbolistas se hallaban en diálogos de tono poético en los que irrumpía lo místico y lo onírico. Las piezas compuestas en este periodo fueron reunidas en 4 piezas para baile (1921).

Estas audacias escénicas exigían un público experto y reducido, por lo que contribuyeron al desarrollo del teatro de cámara; sin embargo Yeats va evolucionando en su dramaturgia hacia estructuras y lenguaje más claros dejando en el camino parte de su misticismo y hermetismo.

Por entonces el poeta norteamericano Ezra Pound empieza a trabajar como secretario suyo y le descubre la literatura japonesa; tras conocer a la joven Bertha “Georgie” Hyde-Lees, Yeats compra una torre normanda en Kiltartan Cross y se casa con Hyde-Lees en 1918. Fue una buena decisión, pues puso en orden la vida del poeta y renovó su poesía incitándole a experimentar con la escritura automática. Tras la independencia de Irlanda, es elegido senador por este nuevo país en 1922 y permanece en el cargo hasta 1928. En 1923 recibe el premio Nobel de literatura.

Este fue el período más fecundo de Yeats, el de su madurez y vejez. Destacan los volúmenes de poesía El casco verde, Responsabilidades y Los cisnes salvajes de Coole, en los que se evidencia una profunda evolución de su lenguaje lírico, que se hace personal, vigoroso, exacto y deslumbrante. En 1925 escribió el tratado Una visión, donde expresa su creencia en la íntima relación entre la imaginación poética y la realidad universal. Según el historiador Giordano Berti (en Claves y secretos del Tarot, Barcelona, Salvat, 2005, p. 23) en esta obra, la más misteriosa del poeta irlandés, vive el recuerdo de la enseñanza esotérica de la Golden Dawn sobre el Tarot; las “28 incarnaciones”, como explicaba Yeats, son fases de la transformación del ser. De este material nacieron, por sugerencia de su secretario Ezra Pound, hermosas colecciones poéticas como La torre (1928), La escalera de caracol (1933) y Últimos poemas y obras de teatro, que incluye el celebrado «Bizancio», con las que Yeats alcanzó el cénit de su lírica.

Su poesía, a pesar de su espíritu innovador, generalmente se caracterizó por su cuidado formal, el simbolismo y ciertos toques que anticipan el surrealismo. El 28 de enero de 1939 fallece en la localidad francesa de Menton a los 73 años.

Yeats consiguió liberar a la poesía irlandesa de la esclavitud a los moldes, géneros y temas de la poesía británica; rompió con la tradición de la poesía victoriana adscribiéndose al simbolismo y profundizó en él en busca de los arquetipos junguianos que subyacen en todas las culturas.

Yeats era un nacionalista irlandés, y buscaba un estilo de vida tradicional articulado a través de poemas tales como «El pescador» (The Fisherman). Sin embargo, a medida que sus años pasaron, refugió mucho de su espíritu revolucionario y se distanció del intenso paisaje político de la época hasta el año 1922, cuando fue nombrado Senador del Estado Libre de Irlanda.​

Durante la etapa temprana de su vida, Yeats fue miembro de la Hermandad Republicana Irlandesa. Debido a la tensión de la escena política en escalada del momento, se distanció a sí mismo del núcleo del activismo político en medio del Alzamiento de Pascua, refrenando incluso su poesía inspirada por los eventos hasta 1920.

En los años 30, Yeats quedó fascinado con los movimientos autoritarios, antidemocráticos, nacionalistas y anticomunistas de Europa, y compuso varias marchas para la organización de extrema derecha de los Blueshirts (camisas azules), aunque estos nunca fueron usados.

Él era un fiero oponente del individualismo y el liberalismo político, y vio a los movimientos fascistas como el triunfo del orden público y las necesidades del colectivo nacional sobre el ‘individualismo tirano’. Por otra parte, también era un elitista, horrorizado ante la idea del gobierno del pueblo o las masas, y vio la democracia como una amenaza contra la buena gobernancia y el orden público.​ Después de que los Blueshirts empezaran a marchitarse en Irlanda, Yeats se distanció algo del movimiento, pero mantuvo una fuerte preferencia por el liderazgo autoritario y nacionalista.

En diciembre de 1923 Yeats fue condecorado con el Premio Nobel de Literatura y sacó el máximo partido a la ocasión. Fue consciente en todo momento del valor simbólico de este premio en tanto que era un irlandés el galardonado, poco después de que Irlanda consiguiera la independencia, subrayando este hecho siempre que le fue posible. En respuesta a las muchas cartas de felicitación que recibió dijo: «considero que este honor no ha venido a mí tanto como individuo que como representante de la literatura irlandesa, este reconocimiento es parte de la bienvenida por parte de Europa al estado libre». En la lectura de su discurso de aceptación del Nobel en la Real Academia Sueca se presentó como estandarte del nacionalismo irlandés y de la independencia cultural irlandesa. El premio conllevó un importante aumento de la venta de sus libros pues sus editores (Macmillan) lograron una importante publicidad. Por primera vez tuvo dinero y pudo pagar no sólo sus propias deudas, sino también las de su padre.

¡Buena lectura!



Sombras di-versas – Amalia Iglesias Serna

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Sombras di-versas de Amalia Iglesias Serna.

 

Sinopsis

¿Qué escriben las poetas españolas de ahora? En un contexto de gran riqueza de estilos y tendencias, y en una atmósfera de inflación de antologías, este libro reúne diecisiete de las voces más significativas, bajo el único criterio de la calidad y la solidez de sus propuestas estéticas, apostando por la diversidad poética en un momento en que ésta necesita más que nunca ser preservada. Sombras cosmopolitas, atrevidas, cultas, interdisciplinares… poetas comprometidas con  su tiempo, con la tradición y la modernidad, que abren nuevos caminos al lenguaje y a su poder de representar la realidad tangible e intangible… No hilanderas: sus versos son agujas que ahora saben suturar heridas o trazar tatuajes, urdimbres de sentido. No musas: sus versos se interrogan sobre la identidad o manifiestan su desasosiego o perplejidad ante un momento realmente crítico en el sistema de valores de nuestra civilización. Y lo hacen con un lenguaje poderoso. Sombras imantadas por la belleza, por el misterio y la magia de la poesía. Como expresaría Tanizaki en el Elogio de la sombra: “Lo bello no es una sustancia en sí sino tan sólo un dibujo de sombras, un juego de claroscuros producido por la yuxtaposición de diferentes sustancias” y el valor de sus contrastes.

 

Sombras di-versas - Amalia Iglesias Serna

 

Autora

Amalia Iglesias Serna (Menaza, provincia de Palencia; 1962) es una filóloga, poetisa y periodista cultural española.

Nació en Menaza, pedanía de Aguilar de Campoo, al norte de la provincia de Palencia, donde a los 10 años ya ganó un concurso de poesía en la escuela de Menaza. En los años sesenta se mudó con su familia a Bilbao, donde se licenció en Filología Hispánica por la Universidad de Deusto. Fue precisamente aquí donde se inició en la poesía, dentro del grupo Poetas para el Pueblo, editores de la revista Zurgai, donde publicó su primer poema. Vivió unos años en Madrid y actualmente vive en Salamanca. Es una gran conocedora de la obra de María Zambrano.

Su primer libro, Un lugar para el fuego, recibió el Premio Adonais en 1984. Esta obra gira en torno al fuego como llama amorosa. Su segunda obra, Memorial de Amauta (1988), está impregnada de tintes surrealistas. Escribe un tercer poemario, Dados y dudas (1996) y en 2003 publica Antes de nada, después de todo, que agrupa toda su obra poética anterior. En este mismo año, publica Intravenus, juntamente con Dolores Velasco. Y en 2005 Lázaro se sacude las ortigas, quizás el más complejo de sus libros.

Es también editora del libro de María Zambrano: Algunos lugares de la pintura (Espasa Calpe). Codirigió, junto a César Antonio Molina, la revista de poesía La alegría de los naufragios (Huerga & Fierro), y coordinó la página de poesía Contemporáneos, del suplemento cultural de ABC, así como la Revista de Libros, de la Fundación Caja Madrid. Con anterioridad trabajó como coordinadora del suplemento Culturas de Diario 16. En los últimos años ha colaborado como crítica literaria en diversos medios de comunicación: El Correo Español, El Pueblo Vasco, ABC, COPE, Artículo 20, etc. Ha publicado sus poemas en revistas como Sibila, Sileno, Zurgai…

En 2007 fue nombrada Presidenta Ejecutiva de la Comisión Nacional para la Conmemoración del Centenario de Machado en Soria.

Ha sido incluida en diversas antologías como Las diosas blancas, Ellas tienen la palabra (Hiperión), Poetas de los ochenta (Mestral), Antología de la poesía española 1977-1995 (Castalia), Canción de canciones (Muchnik), etc.

 

Amalia Iglesias Serna

 

 

¡Buena lectura!

Mareas del mar – Luis Antonio de Villena

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Mareas del mar de Luis Antonio de Villena.

 

Sinopsis

Esta antología poética es una recopilación de poesías de diversos autores realizada por Luis Antonio de Villena.

 

Mareas del mar - Luis Antonio de Villena

 

Autor

Luis Antonio de Villena (Madrid, 31 de octubre de 1951)​ es un poeta, narrador, ensayista, crítico literario y traductor español,​ habitualmente clasificado extraoficialmente en el grupo conocido como novísimos o venecianos dentro de las corrientes —generación del 68— de la poesía española contemporánea.​ Su lírica y prosa, sensible al pasado cultural y a la contemporaneidad, su postura estética,​ cercana al movimiento dandi, se resume en un epicureísmo homoerótico​ que asume tradiciones culturalistas​ y decadentes;​ se percibe una cierta tendencia en su obra, centrada cada vez más en el fracaso y la marginación, aunque en su extensa obra lírica son abundantes los cambios de perspectiva —por ejemplo desde los varios sonetos de «Desequilibrios» a los renovados poemas en prosa de «La prosa del mundo»—. Es uno de los autores más reconocidos de la literatura homosexual en España, asunto que aborda tanto en su obra poética como narrativa.

Fue alumno del Colegio del Pilar de Madrid.​ En su formación influyeron los clásicos grecolatinos y, sobre todo, algunos poetas de la modernidad como Pound o Cernuda. Es licenciado en filología románica y estudió además lenguas clásicas y orientales.​ Su obra creativa en verso o prosa ha sido traducida a varias lenguas —entre ellas, alemán, japonés, italiano, francés, inglés, portugués o húngaro—.​ Recibió los premios Nacional de la Crítica en poesía (1981), el Azorín de novela (1995), el internacional Ciudad de Melilla de poesía (1997), el Sonrisa Vertical de narrativa erótica (1999) y el premio de poesía «Generación del 27» (2004).6​ En 2007 obtuvo el II Premio Internacional de Poesía El Viaje del Parnaso, por un libro titulado «La prosa del mundo».

Es doctor honoris causa por la Universidad de Lille (Francia) desde noviembre de 2004 y ha realizado traducciones de William Beckford (la Excursión a Batalha y Alcobaça), de los sonetos de Miguel Ángel, del poeta inglés Ted Hughes (ex-marido de Sylvia Plath), del francés Du Bellay, del latino Catulo, de la poesía goliárdica medieval y de la parte de la Antología Palatina denominada «Musa de los muchachos» y compilada por Estratón de Sardes, que reúne poemas homoeróticos de varios autores.​ Ha escrito numerosos ensayos de crítica literaria y colabora habitualmente en la prensa con artículos de opinión;​ también ha sido antólogo de poesía joven y ha realizado diversas ediciones críticas.​ Es, asimismo, un habitual conferenciante y contertulio en radio y televisión. Desde octubre de 2008 a julio de 2010 dirigió y presentó el programa Las aceras de enfrente, en Radio 5 de RNE, dirigido al colectivo LGTB. Actualmente habla de libros en el programa de RNE «El ojo crítico».

 

Luis Antonio de Villena

 

 

¡Buena lectura!

Poesía reunida – Ida Vitale

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Poesía reunida de Ida Vitale.

Sinopsis

La presente Poesía reunida recopila todos los libros de Ida Vitale en las ediciones y antologías que la propia autora ha ido afinando y podando a lo largo de casi setenta años, y ofrece además poemas de años recientes no recogidos en libros sueltos.

Poesia reunida - Ida Vitale

Autora

Ida Vitale (Montevideo, 2 de noviembre de 1923) es una poeta, traductora, ensayista, profesora y crítica literaria uruguaya.

Considerada integrante de la Generación del 45, según definición del crítico literario Emir Rodríguez Monegal, con otros escritores uruguayos como Juan Carlos Onetti, Carlos Maggi o Idea Vilariño, es la cuarta generación de emigrantes italianos en Uruguay, donde se formó en una familia culta y cosmopolita. Lectora preferente de obras históricas, su descubrimiento de dos poetas uruguayas de entresiglos, Delmira Agustini y, en especial, un espíritu afín, María Eugenia Vaz Ferreira, así como de Gabriela Mistral la inclinó a la poesía lírica, aunque sus dos grandes referentes fueron José Bergamín, su profesor en Montevideo, y Juan Ramón Jiménez, a quien también conoció en persona.

Estudió Humanidades en Uruguay y ejerció la profesión docente. En 1950 se casó con el crítico literario Ángel Rama y tuvo dos hijos, Amparo y el economista Claudio, nacidos en 1951 y 1954 respectivamente. Se separó de su primer marido y colaboró en el semanario Marcha; entre 1962 y 1964 dirigió la página literaria del diario uruguayo Época. Fue codirectora de la revista Clinamen e integró la dirección de la revista Maldoror.

Empujada por la dictadura, se exilió a México en 1974 y, tras conocer a Octavio Paz, este la introdujo en el comité asesor de la revista Vuelta. Además, participó en la fundación del periódico Uno Más Uno y continuó dedicada a la enseñanza, impartiendo además un seminario en El Colegio de México. Amplió su obra cultivando el ensayo y la crítica literaria (que ejerció en El País, Marcha, Época, Jaque y, entre otras, en las revistas Clinamen, Asir, Maldoror, Crisis de Buenos Aires, Eco de Bogotá; Vuelta y Unomásuno, de México; El pez y la serpiente de Nicaragua…) Tradujo libros para el Fondo de Cultura Económica; impartió conferencias y lecturas, participó en jurados y colaboró en numerosos diarios.

Volvió a Uruguay en 1984, y dirigió la página cultural del semanario Jaque. Desde 1989 vive en Austin (Texas) junto a su segundo marido, el también poeta Enrique Fierro, y viaja muy esporádicamente a Montevideo. Fue nombrada doctora honoris causa por la Universidad de la República en 2010. Lee y traduce particularmente del francés y del italiano, y entre los autores de sus versiones se cuenta a Simone de Beauvoir, Benjamin Péret, Gaston Bachelard, Jacques Lafaye, Jules Supervielle, Jean Lacouture Mario Praz y Luigi Pirandello.

Inscrita en la tradición de las vanguardias históricas latinoamericanas, su poesía indaga en la alquimia del lenguaje y establece un encuentro entre una exacerbada percepción sensorial de raíz simbolista, siempre atenta al mundo natural, y la cristalización conceptual en su perfil más preciso.

IdaVitale

¡Buena lectura!

Poesia completa – Orides Fontela

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Poesia completa de Orides Fontela. Esta edición es bilingüe portugués y catalán.

 

Sinopsis

“No tengo nada más que la poesía. En este sentido, soy el propio corazón salvaje. Si no fuera por la poesía, yo podría estar en la más pura indigencia; ni vosotros, ni nadie no me reconocería; me moriría sin haber existido. Es mi única esperanza de salvación, porque descarto la salvación transcendental. Mi poesía se salvará por sí sola si tiene fuerza para esto. Ella se defenderá por sí sola, cada poema tiene su karma. De ahora en adelante, no tengo ya ninguna responsabilidad sobre mis poemas.”

 

 

Poesia completa - Orides Fontela

 

Autora

Orides de Lourdes Teixera Fontela nació en Sao Joao da Boa Vista (SP, Brasil) el 21 de abril de 1940, donde vivió hasta 1966, año en que se trasladó a Sao Paulo. Fue maestra de escuela y bibliotecaria. Es una de las poetas brasileñas más importantes del siglo XX. Pertenece a la generación de los escritores Hilda Hilst, Adélia Prado, Roberto Piva y Paulo Leminski. Kant, Heidegger, Wittgenstein o el budismo zen influyeron en su poesía, no en vano estudió Filosofía en al Universidad de Sao Paulo, donde se licenció en 1972. Es autora de Transposiçao, 1969; Helianto, 1973; Alba, 1983; Rosácea, 1986; Trevo (1969-1988), 1988; Teia, 1996; Poesia reunida (1969-1996), 2006, y, finalmente, Orides Fontela – Poesia completa, publicada en Sao Paulo por la editorial Hedra en 2015.

Fontela murió el 2 de noviembre de 1998 en Campos do Jordâo.

 

Orides Fontela

 

¡Buena lectura!

Poesia completa – Anna Akhmatova

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Poesia completa de Anna Akhmatova. Esta edición es en catalán.

 

Sinopsis

Figura capital de la poesía rusa del siglo XX, Anna Akhmatova es un referente imprescindible no sólo para entender parte de lo que pasó en la Unión Soviética con la cultura y el arte no abocado a la alabanza sistemática del nuevo orden social, sino también para comprender que en la poesía rusa los lazos con el pasado poético no se rompen nunca, y además se proyectan en el futuro. Akhmatova supo absorber todo el poso cultural de los tiempos de Puskin, cuanto a clasicismo y temáticas, para reportarlo después a las nuevas generaciones, que la tenían como un faro de la oscuridad. Poeta que crea adicción en sus lectores, siempre se ha visto amada y poco leída, porque no existían ediciones al alcance en nuestra lengua que no fueran breves antologías. Con esta edición los que quieren deleitarse en la poesía tiene toda la obra poética de Akhmatova en las manos. Un regalo como pocos.

 

Poesia completa - Anna Akhmatova

 

Autora

Anna Andréyevna Ajmátova, de soltera Górenko (Bolshói Fontán, cerca de Odesa, 23 de junio de 1889 – Domodédovo, cerca de Moscú, 5 de marzo de 1966), fue una destacada poetisa rusa. Junto con Nikolái Gumiliov y Ósip Mandelshtam, fue una de las figuras más representativas de la poesía acmeísta de la Edad de Plata de la literatura rusa.

Su infancia no parece que fuese muy feliz; sus padres se separaron en 1905. Anna comenzó a escribir poesía a la edad de once años. Como su padre no quería ver ningún verso impreso bajo su “respetable” apellido, ella decidió adoptar el de su bisabuela tártara, Ajmátova, como pseudónimo.

Estudió derecho, latín, historia y literatura en Kiev y en San Petersburgo. Allí se casó en 1910 con Nikolái Gumiliov, poeta famoso, promotor del acmeísmo, corriente poética que se sumaba al renacimiento intelectual de Rusia a principios del siglo XX. Los acmeístas rompían con el simbolismo, de carácter metafórico, y restablecían el valor semántico de las palabras. En esta línea Anna publica en 1912 su primer libro de poemas titulado La tarde. En ese mismo año nace su único hijo Lev, que se convertiría en un famoso historiador neoeurasianista. El matrimonio de Anna y Nikolái duraría desde 1910 hasta 1918.

En 1910-1912 viajó a Italia y Francia, visitando París dos veces. Conoció a Modigliani, quién influiría en su perspectiva.

Más tarde Ajmátova se casaría con el prominente asiriólogo Vladímir Shileiko (1918-1922) y poco después con el historiador de arte Nikolái Punin (1922-1938). Borís Pasternak estuvo enamorado de ella, pero Anna rechazó su proposición.

Sus primeros escritos parecen intuir la gran soledad en la que se verá sumergida años más tarde, después de las trágicas consecuencias de la revolución rusa de 1917. Tras ésta, Anna se verá afectada ya que en 1921 su primer marido Nikolái Gumiliov fue acusado de conspiración y fusilado. Más tarde, su hijo será también arrestado y deportado a Siberia. Y su último marido, Punin, moriría de agotamiento en un campo de concentración en 1938. Los poemas de Anna se prohibieron, fue acusada de traición y deportada. Por temor a que fusilaran a su hijo quemó todos sus papeles personales. En 1944 pudo regresar con su hijo a Leningrado, ciudad devastada tras el asedio nazi.

Allí comenzó a ganarse la vida traduciendo a Leopardi y publicando ensayos, incluyendo brillantes ensayos de Aleksandr Pushkin, en periódicos escolares. Todos sus amigos emigraron o fueron reprimidos.

En 1945 el joven intelectual británico Isaiah Berlin quiso visitarla antes de regresar a Londres. Ese encuentro se prolongó durante veinte horas, durante las que Anna le leyó sus poemas y se sinceró con él, pero esto tuvo trágicas consecuencias ya que su hijo volvió a ser encarcelado durante diez años. Esta vez la escritora se negó a silenciar su voz y siguió adelante con su poemario más importante, Réquiem; ahí explica que en aquella Unión Soviética los únicos que estaban en paz eran los difuntos y que los vivos pasaban su vida yendo de un campo de concentración a otro. El libro fue publicado sin su consentimiento y conocimiento en 1963 en Múnich.

En 1962, Ajmátova estuvo nominada al Premio Nobel de Literatura, pero no lo consiguió.

En 1964, en honor a su 75 cumpleaños, se realizaron nuevos estudios y se publicaron nuevas recopilaciones de sus versos. Ese mismo año viaja a Taormina (Italia), donde recibe el Premio Internacional de Poesía y en 1965 es nombrada doctora honoris causa por la Universidad de Oxford. Viaja a Gran Bretaña con escala en París y se publica en Moscú El correr del tiempo (1909-1965), un balance incompleto (y censurado) de su obra.

Sus últimas piezas, compuestas en ritmo y sentido neoclásico, parecen ser la voz que reflejaba lo mucho que ella había vivido. Durante su estancia en Komarovo era visitada por Joseph Brodsky y otros jóvenes poetas, que perpetuaron las tradiciones de Ajmátova en la poesía de San Petersburgo en el siglo XXI. También tradujo las obras completas de Rabindranath Tagore en ocho volúmenes, al ruso.

El 5 de marzo de 1966 Anna muere de un infarto en un sanatorio de las afueras de Moscú y es enterrada en Komarovo. Su obra, traducida a un sinnúmero de lenguas, sólo aparecerá íntegra en Rusia en 1990.

 

Anna Akhmatova

 

¡Buena lectura!

Milagros de Nuestra Señora – Gonzalo de Berceo

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Milagros de Nuestra Señora de Gonzalo de Berceo.

Sinopsis

Se trata de una compilación de ejemplos que relatan veinticinco milagros de la Virgen María, escritos en un dialecto del castellano hacia 1260, en una etapa tardía de su vida, usando como fuente colecciones de milagros marianos en latín que circulaban en el siglo XIII (Manuscrito de Thott, nº 128, Biblioteca de Copenhague). Berceo versificó solo 25 de ellos, empleando la estrofa de cuaderna vía, propia del Mester de Clerecía.

Las colecciones de milagros marianos aparecieron a lo largo del siglo XI. Hay de dos tipos: las de los milagros locales, vinculadas a los grandes centros de peregrinación, y las generales. Berceo aprovechó una de estas colecciones de milagros generales para componer la suya en un periodo de divulgación de las lenguas románicas y de difusión de las tradiciones marianas. La devoción a María se expandió en el siglo XIII por toda la geografía europea, pues ofrecía una imagen maternal más amable y cercana del cristianismo. Esta visión es la que franciscanos y dominicos propagaron en sus sermones a través de los ejemplos con que los adornaban.

La originalidad de Berceo consiste en dar vida y popularizar el registro eclesiástico que tenía el texto latino. Para conseguirlo Berceo se ayuda de recursos propios de los juglares, tales como hacer un uso abundante del estilo directo, dar ciertas pinceladas humorísticas a lo narrado o hacer referencias o comparaciones con el mundo rural o la naturaleza.

Todos los milagros siguen la misma estructura de caída y redención: una persona devota de la Virgen se encuentra en peligro y se salva gracias a un milagro mariano. La obra comienza con una introducción alegórica en la que el autor se presenta a sí mismo en una naturaleza idealizada, descanso del hombre, que simboliza las virtudes y perfecciones de la Virgen. A continuación, se suceden veinticinco milagros realizados por la Virgen a favor de personas que sienten una gran devoción por ella. La mayoría de estos personajes pertenecían a la misma clase social que el público que escuchaba los milagros. Al final de cada relato aparece una moraleja o enseñanza para hacer comprender al oyente las ventajas que reporta ser un devoto de la Virgen, al modo como se trataban los exempla en el sermón popular (divisio extra). Se pueden distinguir tres grupos de milagros:

  • En los que María premia o castiga a los hombres, como La casulla de San Ildefonso.
  • En los que la Virgen perdona y logra salvar de la condenación a sus devotos, como El sacristán impúdico.
  • En los que los personajes sufren una crisis espiritual y María les ayuda a solucionar el conflicto, como La abadesa encinta.

Milagros de Nuestra Señora - Gonzalo de Berceo

 

Autor

Gonzalo de Berceo (Berceo, c. 1198 – antes de 1264) fue un poeta medieval nacido en Berceo (La Rioja), uno de los máximos representantes del mester de clerecía. Profesó como monje en el monasterio de San Millán de la Cogolla.

Si queredes saber quién fizo esti dictado, / Gonçalvo de Berceo es por nombre clamado, / natural de Madrid, en San Millán criado, / del abad Juan Sánchez notario por nombrado.

Esto lo confirma dos veces el propio Gonzalo de Berceo al comienzo de su Vida de San Millán de la Cogolla (3c, «el barrio de Verceo Madriz li yaz present» y 19b, «en Verceo fui nado, cerca es de Madriz»). Madrid, en efecto, era una aldea cercana a San Millán de la Cogolla situada en la orilla del río Cárdenas y lindante con el pueblo de Berceo, en la actual provincia de La Rioja. Por tanto, el riojano Gonzalo de Berceo se educó en el cercano monasterio de San Millán de la Cogolla («en Sant Millán de Suso, fue de niñez criado») y llegó a ser un clérigo secular que trabajó primero como diácono (1221) y luego como preste o presbítero (1237), maestro de los novicios y, según Brian Dutton, notario en efecto del abad Juan Sánchez (1209-1253), en el citado monasterio de San Millán de la Cogolla. Tuvo un hermano que, como él, era también clérigo. Recibió una educación muy esmerada, pues se formó entre 1222 y 1227 en los recientemente creados estudios generales (un antecedente medieval de las modernas universidades) de Palencia, los primeros que hubo en España y fundados por el obispo don Tello Téllez de Meneses que Berceo nombra en sus obras; allí había cuatro cátedras: teología, derecho canónico, lógica y artes (gramática), por lo que el futuro poeta recibió una formación novedosa y muy superior a la de los otros eclesiásticos de su mismo nivel. Sin embargo, a principios del siglo XIII, el monasterio de San Millán atravesaba un periodo de decadencia de su antiguo esplendor, que el poeta intentó combatir con sus escritos; debió fallecer ya a mediados el siglo XIII, después de 1264.

Berceo fue el más importante representante del mester de clerecía. Depuró el idioma castellano, en su variedad dialectal riojana, para lo cual trasvasó numeroso vocabulario desde el latín (cultismos) y recurrió a fórmulas de la literatura oral tradicional y del mester de juglaría. En su trabajo como notario eclesiástico, y con la intención de paliar la decadencia del monasterio, llegó incluso a falsificar documentos para conseguir que los reacios campesinos pagaran sus contribuciones al mismo.

Sus obras narrativas y didácticas en verso tratan siempre sobre tema religioso, y están constituidas fundamentalmente por hagiografías, esto es, biografías de los santos, en especial aquellos a los que se rendía culto en los monasterios con los que estuvo vinculado: la Estoria de sennor San Millán, la Vida de Sancta Oria, virgen y La vida del glorioso confesor Santo Domingo de Silos, por ejemplo. Actualmente, su obra más conocida son los Milagros de Nuestra Señora. Otras obras suyas son El duelo que fizo la Virgen María el día de la Pasión de su fijo Jesu Cristo, Del sacrificio de la Misa, De los signos que aparecerán ante del Juicio, el Martiryo de Sant Laurencio, los Loores de Nuestra Señora y tres Himnos, dedicados a Jesús, el Espíritu Santo y la Virgen.

No se muestra como un narrador original, ya que traduce ampliando obras escritas anteriormente en latín (amplificatio); su originalidad y carácter artístico debe apreciarse en el tratamiento de los temas, en el estilo, los detalles costumbristas y adaptaciones a la mentalidad medieval y campesina que añade a dichos relatos. Alguna vez que otra deja caer una pincelada de hondo contenido social:

Los omnes soberbiosos que roban los mezquinos / que les tuellen los panes e les beben los vinos / andarán mendigando corvos, como onzinos; / cuntirán eso misme a los malos merinos

El ámbito de creación de su obra es culto, aunque se reviste de una apariencia popular y utiliza elementos tradicionales; la estrofa que emplea para la versificación es la cuaderna vía o tetrástrofo monorrimo: cuatro versos alejandrinos o de catorce sílabas separados cada uno en dos mitades de siete sílabas por una cesura que coincide con final de palabra y grupo fónico, impidiendo toda sinalefa, y con una única rima consonante en todos sus versos.

Sus obras se pueden dividir en tres grupos:

  • Obras sobre la Virgen María: Loores de Nuestra Señora, Duelo que fizo la Virgen y Milagros de Nuestra Señora.
  • Vidas de santos: Vida de San Millán, Vida de Santo Domingo de Silos, Poema de Santa Oria y Martirio de San Lorenzo.
  • Obras doctrinales: De los signos que aparecen antes del Juicio Final y Del sacrificio de la misa.

 

Gonzalo de Berceo

 

¡Buena lectura!

Amor – Charles Bukowski

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Amor de Charles Bukowski.

Sinopsis

Amor es un poemario descarnado y tierno sobre la temática que nos toca a todos bien cerca que refleja a la perfección el lado más feroz y vulnerable del viejo indecente por excelencia de las letras estadounidenses.

Charles Bukowski era un poeta inteso, alguien a quien un editor una vez llamo “un loco apasionado”. En Amor, Bukowski lidia con las complicaciones y alegrías del amor, la lujuria y el deseo. En un tono que va de lo duro a lo delicado, de lo sensible a lo hiriente, Bukowski pone al descubierto las muchas caras del amor: su egoísmo y narcicismo, su naturaleza azarosa, su misterio y tristeza y, en última estancia, su dicha absoluta, resistencia y poder redentor.

Bukowski retrata el amor con humor, picardía y, en ocasiones, ternura. Amor nos permite adentrarnos tanto en el hombre como en el artista: Bukowski escribe con sinceridad y de manera conmovedora sobre su hija, sus amantes, sus amigos y el trabajo, y el amor sirve de prisma para observar el mundo en toda su belleza y crueldad, sin olvidar su naturaleza frágil: “mi amor es un colibrí que se posa tranquilo en una rama ―escribe― mientras el mismo gato se agazapa”.

Charles Bukowski es uno de los escritores más conocidos y celebrados de las letras estadounidenses contemporáneas y, según muchos, unos de los poetas más influyentes e imitados de los últimos tiempos.

Amor - Charles Bukowski

Autor

Henry Charles Bukowski, nacido como Heinrich Karl Bukowski (Andernach, Renania-Palatinado, Alemania; 16 de agosto de 1920 – Los Ángeles, California; 9 de marzo de 1994), fue un escritor y poeta estadounidense nacido en Alemania.

A menudo fue erróneamente asociado con los escritores de la Generación Beat, debido a sus similitudes de estilo y actitud. La escritura de Bukowski está fuertemente influida por la atmósfera de la ciudad donde pasó la mayor parte de su vida, Los Ángeles. Fue un autor prolífico, escribió más de cincuenta libros, incontables relatos cortos y multitud de poemas. A menudo es mencionado como influencia de autores contemporáneos y su estilo es frecuentemente imitado. Fue un personaje extremadamente excéntrico y arrebatado. Murió de leucemia en 1994, a la edad de 73 años. Hoy en día es considerado uno de los escritores más influyentes y símbolo del “realismo sucio” y la literatura independiente.

Nació en 1920 en la localidad alemana de Andernach. Su madre Katharina Fett, era alemana nativa, mientras que su padre era estadounidense de ascendencia polaca. Se casaron un mes antes de que Charles naciera.

Con el hundimiento de la economía alemana después de la Primera Guerra Mundial, la familia se mudaría a Baltimore en 1923. Para que sonara más estadounidense, sus padres comenzaron a llamarle “Henry”. Más tarde se trasladarían a un suburbio de Los Ángeles.

Tras graduarse en el Instituto de Secundaria de Los Ángeles cursó estudios de arte, periodismo y literatura en la Universidad de Los Ángeles durante dos años. La difícil relación con su padre es una de las causas por las cuales deja la Universidad, dicha relación es retratada en varios cuentos y novelas. A los 24, su relato corto Aftermath of a Lengthy Rejection Slip fue publicado en Story Magazine. Dos años más tarde le publicarían otro relato 20 Tanks From Kasseldown (1946), esta vez en otro medio. Fue cuando Bukowski se desilusionó con el proceso de publicación por lo cual dejó de escribir durante una década. Durante este tiempo estuvo viviendo en Los Ángeles, aunque también pasó un tiempo vagando por los Estados Unidos, dedicándose a trabajos temporales que iba dejando y permaneciendo en pensiones baratas.

Comenzando los años 50, Bukowski comenzó a trabajar como cartero en Los Ángeles, en el servicio postal de los Estados Unidos, en el que permaneció tres años. En 1955 lo hospitalizaron con una úlcera sangrante muy grave. Cuando salió del hospital, comenzó a escribir poesía. En 1957, se casó con la escritora y poeta Barbara Frye, pero se divorciaron más tarde, en 1959. Frye dudaba a menudo de la habilidad de Bukowski como poeta. Una vez divorciados, Bukowski continuó bebiendo y escribiendo poesía.

Antes de que empezaran los 60, volvió a la oficina de correos en Los Ángeles, donde continuó trabajando una década. En 1964, tuvo una hija, Marina Louise Bukowski, nacida de su relación con su novia Frances Smith. Más tarde, Bukowski vivió en Tucson un periodo breve de tiempo, donde entabló amistad con Jon Webb y Gypsy Lou, que le animaron a publicar y vivir de su literatura. Gracias a Webb comenzó a publicar algunos poemas en la revista de literatura The Outsider. Loujon Press publicó It Catches my Heart In Its Hand en 1963, y A Crucifix in a Deathhand dos años más tarde. Fue cuando Bukowski conoció a Franz Douskey, amigo de Jon Webb, a quien solía visitar regularmente en su pequeña casa de Elm Street que también servía como centro de publicación. Webb, Bukowski y Douskey pasaron un tiempo juntos en Nueva Orleans. Comenzando 1967, Bukowski escribía la columna Notes of A Dirty Old Man para el periódico independiente de Los Ángeles Open City. Cuando fue cerrado en 1969, la columna se trasladó a Los Angeles Free Press. Ese año publicó una recopilación de las mejores columnas escritas para el periódico con ese mismo título.

En 1969, después de que el editor John Martin de Black Sparrow Press le prometiera una remuneración de cien dólares mensuales de por vida, Bukowski dejó de trabajar en la oficina de correos, para dedicarse a escribir todo el tiempo. Tenía entonces 49 años. Como él mismo explicó en una carta en ese entonces, “tengo dos opciones, permanecer en la oficina de correos y volverme loco… o quedarme fuera y jugar a ser escritor y morirme de hambre. He decidido morir de hambre”.5 Pasó menos de un mes tras dejar el trabajo en la oficina de Correos, cuando acabó su primera novela, Post Office (titulada Cartero en castellano).

Debido a la confianza que John Martin depositó en él cuando era un escritor relativamente desconocido y a la ayuda financiera, Bukowski publicó casi todo su trabajo literario con Black Sparrow Press. En 1976 conoce a Linda Lee Beighle, dueña de un restaurante de comida sana. Dos años más tarde, la pareja se mudó desde la parte este de Hollywood, donde Bukowski había vivido la mayor parte de su vida, a San Pedro, el distrito más al sur de la ciudad de Los Ángeles. Bukowski y Linda Lee fueron casados por Manly Palmer Hall en 1985. Bukowski habla de ella en las novelas Mujeres y Hollywood, en su mayor parte autobiográficas, a través del personaje de Sara.

Bukowski ha sido traducido a más de una docena de idiomas, incluidos español, francés, alemán y portugués. Es visto como icono de la decadencia estadounidense y de la representación nihilista característica después de la Segunda Guerra Mundial. Su falta de ambición y compromiso con él mismo y con el resto del mundo, convierten a este escritor en una de las influencias de bastantes autores contemporáneos entre los cuales podemos encontrar a Alberto Fuguet, Pedro Juan Gutiérrez, Karmelo C. Iribarren, Roger Wolfe, Raúl Núñez y al grupo de rock inglés Dogs D’amour.

Bukowski murió de leucemia el 9 de marzo de 1994 en San Pedro, California, a la edad de 73 años, poco después de terminar su última novela Pulp. Sus restos fúnebres fueron conducidos por monjes budistas. En su lápida se lee: “Don’t try”.

Charles Bukowski

 

¡Buena lectura!

Poemas – José Hierro

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Poemas de José Hierro.

Sinopsis

Desde 1947 ―fecha de publicación de sus dos primeros libros― el nombre de José Hierro ocupa un lugar destacado entre los máximos creadores de poesía, surgidos en nuestro país después de la guerra civil. Se le apreció ya en los altos de auge de la llamada “poesía social”, viendo ―entonces, acaso― lo que su poesía, o parte de ella, podía representar como testimonio de un tiempo histórico. Hoy, especialmente los jóvenes poetas y críticos, ven otras cosas; por ello, algunos le han llamado “poeta-puente”: puente, entre los poetas del 27 y la poesia actual; y en su Libro de las alucinaciones hay quienes vislumbran una anticipacion de la línea que habría de imponerse algunos años más tarde. En 1990 le fue concecido el Premio Nacional de las Letras Españolas, en 1985 el Premio Reina Sofía de Poesía Hispanoamericana, y el Premio Cervantes en 1998.

Poemas - José Hierro

 

Autor

José Hierro Real (Madrid, 3 de abril de 1922 – ibídem, 21 de diciembre de 2002). Nació en Madrid en 1922, aunque la mayor parte de su vida la pasó en Cantabria, puesto que su familia se trasladó a Santander cuando José contaba apenas dos años. Allí cursó la carrera de perito industrial, pero se vio obligado a interrumpirla en 1936, al comienzo de la Guerra Civil Española.

Al finalizar la guerra fue detenido y encarcelado por pertenecer a una “organización de ayuda a los presos políticos”, uno de los cuales era su propio padre, Joaquín Hierro, un funcionario de Telégrafos que el 18 de julio de 1936 interceptó el cable con que la Capitanía Militar de Burgos quería sublevar a la guarnición de Santander, pagándolo con la cárcel. Su hijo también fue a prisión por sacar información de la misma cuando lo visitaba. Pasó cinco años encarcelado y fue liberado en enero de 1944 en Alcalá de Henares. Hasta 1946 vivió en Valencia. Allí, en el Café El Gato Negro, participó en una tertulia literaria a la que asistían [Ricardo Blasco], Angelina Gatell, Alejandro y Vicente Gaos, y Pedro Caba Landa, entre otros. Desempeñó entonces diversos oficios pane lucrando. En 1948, en el Diario Alerta de Santander, hizo su primera crítica pictórica, sobre la obra del pintor burgalés Modesto Ciruelos (íntimo amigo que falleció también en 2002), labor que continuó ejerciendo en distintos medios de comunicación, especialmente en Radio Nacional de España y el Diario Arriba de Madrid. En 1949 contrajo matrimonio con María de los Ángeles Torres. Fundó la revista Proel, junto con Carlos Salomón y hasta 1952 dirigió las publicaciones Cámara de Comercio y Cámara Sindical Agraria, para instalarse al fin en Madrid, donde reanudó su carrera de escritor. Trabajó en el CSIC y en la Editora Nacional. Colaboró en las revistas poéticas Corcel, Espadaña, Garcilaso. Juventud creadora, Poesía de España y Poesía Española, entre otras. Participó en los Congresos de Poesía de Segovia, (del 17 al 24 de junio de 1952) y Salamanca (5 de julio de 1953). En 1995 es nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad Internacional Menéndez y Pelayo de Santander. Además en 1998, recibe, como reconocimiento final a su grandísima carrera, el Premio Cervantes. Fue elegido miembro de la Real Academia Española en 1999. En 2002 es nombrado también Doctor Honoris Causa de la Universidad de Turín.

Fallece el 21 de diciembre de 2002 a los 80 años de edad en Madrid. Sus cenizas se honran en el Pabellón de Santanderinos Ilustres situado en la entrada del Cementerio de Ciriego de la capital cántabra desde el 28 de marzo de 2003.

José Hierro

 

¡Buena lectura!