País de Nieve – Yasunari Kawabata

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es País de Nieve de Yasunari Kawabata.

Sinopsis

Shimamura regresa al País de Nieve atraído por la belleza de la estación y el tradicional estilo de vida. Pero vuelve especialmente por Komako, una joven aprendiz de geisha que conoció en un viaje anterior. Él es un hombre rico, de mediana edad, que intenta escapar de un matrimonio sombrío y de su vida en Tokio. Ella, una bellísima mujer vulnerable a sus propias emociones, que madura ante los ojos de su amante. El amor apasionado que Shimamura despierta en Komako le plantea un dilema: incapaz de corresponderlo, pero a la vez fascinado por su intensidad, optará por repetir y prolongar su estadía en las termas aprovechando la distancia perfecta que le ofrece la relación huésped-geisha. Un tercer personaje, la misteriosa Yoko, teje su destino al de la pareja, con el blanco de la nieve como trasfondo y presencia continua.

Autor

Yasunari Kawabata (Osaka, 14 de junio de 1899-Zushi, 16 de abril de 1972) fue un escritor japonés,​ destacado junto a otros maestros nipones del siglo XX,​ como Ryūnosuke Akutagawa, Jun’ichirō Tanizaki, Osamu Dazai o Yukio Mishima, de quien fue amigo y mentor,​ Kawanata fue el primer japonés que obtuvo el premio Nobel de Literatura 1968,​ y el segundo asiático tras Rabindranath Tagore.

Nació en Osaka, el 14 de junio de 1899, en el seno de una familia acomodada (su padre era médico). A los cuatro años quedó huérfano, luego de lo cual se fue a vivir con sus abuelos paternos. Su hermana mayor fue adoptada por una tía, a ella la volvió a ver una vez, cuando la niña tenía diez años (su hermana murió a la edad de once). Su abuela murió en 1906 y su abuelo en 1914, cuando Yasunari contaba con la edad de quince años aproximadamente.

Como sus abuelos paternos fallecieron, Kawabata se fue a vivir con sus abuelos maternos (los Kuroda). Sin embargo, en enero de 1916 se trasladó a una pensión, cerca de una escuela a la cual se trasladaba en tren, se graduó en 1917. En 1920 ingresó a la Universidad de Tokio en la carrera de literatura en lengua inglesa, y un año después cambió a la de literatura del Japón.​ Mientras cursaba la universidad, revivió la revista literaria Shinjichō (literalmente, la nueva tendencia del pensamiento) donde publicó algunos de sus trabajos, con lo que se abrió camino en el mundo literario.

En 1924 terminó la universidad, y apareció el primer número de Bungei-jidai (Época del Arte Literario), una revista de un grupo de intelectuales al que pertenecía.​ Esta publicación reunía a nuevos y prometedores literatos que al escribir utilizaban un estilo (el “Shinkankaku-ha”, la nueva escuela de las sensaciones) donde la composición constaba en la aprehensión sensitiva de la realidad a la manera de los intelectuales. Debutó como escritor al publicarse La bailarina de Izu en 1927, alcanzando la consagración en Japón diez años más tarde con País de nieve.

Además de escritor, trabajó como reportero, sobre todo para el Manichi Shimbun. A pesar de que se apartó del fervor que acompañó a la Segunda Guerra Mundial, tampoco mostró mucho interés en las reformas políticas de la posguerra. Y junto con la muerte de sus familiares durante su juventud, Kawabata señalaba que la guerra fue una de sus mayores influencias, expresando que solo podía escribir elegías en el Japón de la posguerra; aun así, muchos críticos no detectaron un gran cambio en los escritos de Kawabata antes y después de la guerra. Recibió la medalla Goethe en Frankfurt en 1959.​ Ganó el Nobel de literatura en 1968, y dio el discurso llamado “Del hermoso Japón, su yo” (Utsukushii Nihon no watashi?). El 16 de abril de 1972, enfermo y deprimido, dolido sin duda por la muerte de su amigo Yukio Mishima, que lo había definido como un “viajero perpetuo”, se suicidó en un pequeño apartamento a orillas del mar, se cree que inhalando gas. Ese mismo año se publicó póstumamente la biografía ficticia El maestro de Go.

¡Buena lectura!

Historias de la palma de la mano – Yasunari Kawabata

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Historias de la palma de la mano de Yasunari Kawabata.

Sinopsis

“Muchos escritores, en su juventud, escriben poesía: yo, en lugar de poesía, escribí relatos que caben en la palma de una mano. Entre ellos hay piezas irracionalmente construidas, pero hay otras que fluyeron naturalmente de mi pluma, con espontaneidad… El espíritu poético de mi juventud vive en ellos.”

El Premio Nobel de Literatura escribió, entre 1921 y 1972, ciento cuarenta y seis brevísimos relatos a los que denominó “relatos que caben el la palma de una mano”, y con esa descripción creaba un género personal.

La presente edición es una selección de setenta de estos relatos, a través de los cuales el autor vuelve a sumergirnos en una atmósfera en la que conviven la soledad, el amor y la muerte. Historias de la palma de la mano contiene toda la esencia de la obra de uno de los más grandes talentos literarios del siglo XX.

Autor

Yasunari Kawabata (Osaka, 14 de junio de 1899-Zushi, 16 de abril de 1972) fue un escritor japonés,​ destacado junto a otros maestros nipones del siglo XX,​ como Ryūnosuke Akutagawa, Jun’ichirō Tanizaki, Osamu Dazai o Yukio Mishima, de quien fue amigo y mentor,​ Kawanata fue el primer japonés que obtuvo el premio Nobel de Literatura 1968,​ y el segundo asiático tras Rabindranath Tagore.

Nació en Osaka, el 14 de junio de 1899, en el seno de una familia acomodada (su padre era médico). A los cuatro años quedó huérfano, luego de lo cual se fue a vivir con sus abuelos paternos. Su hermana mayor fue adoptada por una tía, a ella la volvió a ver una vez, cuando la niña tenía diez años (su hermana murió a la edad de once). Su abuela murió en 1906 y su abuelo en 1914, cuando Yasunari contaba con la edad de quince años aproximadamente.

Como sus abuelos paternos fallecieron, Kawabata se fue a vivir con sus abuelos maternos (los Kuroda). Sin embargo, en enero de 1916 se trasladó a una pensión, cerca de una escuela a la cual se trasladaba en tren, se graduó en 1917. En 1920 ingresó a la Universidad de Tokio en la carrera de literatura en lengua inglesa, y un año después cambió a la de literatura del Japón.​ Mientras cursaba la universidad, revivió la revista literaria Shinjichō (literalmente, la nueva tendencia del pensamiento) donde publicó algunos de sus trabajos, con lo que se abrió camino en el mundo literario.

En 1924 terminó la universidad, y apareció el primer número de Bungei-jidai (Época del Arte Literario), una revista de un grupo de intelectuales al que pertenecía.​ Esta publicación reunía a nuevos y prometedores literatos que al escribir utilizaban un estilo (el “Shinkankaku-ha”, la nueva escuela de las sensaciones) donde la composición constaba en la aprehensión sensitiva de la realidad a la manera de los intelectuales. Debutó como escritor al publicarse La bailarina de Izu en 1927, alcanzando la consagración en Japón diez años más tarde con País de nieve.

Además de escritor, trabajó como reportero, sobre todo para el Manichi Shimbun. A pesar de que se apartó del fervor que acompañó a la Segunda Guerra Mundial, tampoco mostró mucho interés en las reformas políticas de la posguerra. Y junto con la muerte de sus familiares durante su juventud, Kawabata señalaba que la guerra fue una de sus mayores influencias, expresando que solo podía escribir elegías en el Japón de la posguerra; aun así, muchos críticos no detectaron un gran cambio en los escritos de Kawabata antes y después de la guerra. Recibió la medalla Goethe en Frankfurt en 1959.​ Ganó el Nobel de literatura en 1968, y dio el discurso llamado “Del hermoso Japón, su yo” (Utsukushii Nihon no watashi?). El 16 de abril de 1972, enfermo y deprimido, dolido sin duda por la muerte de su amigo Yukio Mishima, que lo había definido como un “viajero perpetuo”, se suicidó en un pequeño apartamento a orillas del mar, se cree que inhalando gas. Ese mismo año se publicó póstumamente la biografía ficticia El maestro de Go.

¡Buena lectura!

Naufragios – Akira Yoshimura

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Naufragios de Akira Yoshimura.

Sinopsis

En un remoto y miserable pueblo costero del Japón medieval, aislado del mundo por el mar y las montañas, un padre debe venderse como esclavo durante tres años para alimentar a su familia. Deja entretanto sus responsabilidades a su hijo Isaku, obligado por las circunstancias a aprender deprisa los secretos de la vida adulta. Pronto descubrirá qu estos secretos van mucho más allá de las artes cuando sus mayores, en un tono a la vez terrible y esperanzado, dejan escapar las palabras O-fune-sama. Detrás de ellas esconde la fuente de todas las fortunas del pueblo. Pero no hay fortuna sin retribución.

Autor

Akira Yoshimura (Tokio, 1 de mayo de 1927 – Tokio, 31 de julio de 2006) fue un novelista y ensayista japonés.

En sus obras suele analizar con un estilo preciso, casi científico, lo que parece la imposibilidad de sus personajes de disponer de sus vidas, como si estuvieran abocados a un destino inexcusable y fueran incapaces de ejercer el libre albedrío por carecer de una voluntad firme o haber renunciado a la existencia.

¡Buena lectura!

Els llops de Praga (Los lobos de Praga) – Benjamin Black

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Els llops de Praga (Los lobos de Praga) de Benjamin Black. Esta edición es en catalán.

Sinopsis

Christian Stern llega a Praga en el invierno de 1599 para hacer fortuna en la corte del emperador del Sacro Imperio Romanogermánico, el excéntrico Rodolfo II. La noche de su llegada, Christian tropieza con el cadáver de una joven en el paseo Dorado, una callejuela adyacente al castillo. Vestida con un camisón de terciopelo y con un medallón de oro en el cuello, es evidente que la mujer pertenecía a la clase alta.

Cualquier otro hombre habría olido el peligro, pero Christian está determinado a seguir su destino. Es pero eso que pronto se verá implicado en las maquinaciones de los cortesanos y, antes de que pueda evitarlo, atraerá la atención del mismo emperador. Rodolfo II decide que Christian es una de las pocas personas en las que puede confiar, así que le encarga la tarea de resolver el misterio del asesinato de la joven. Asimismo, Christian se da cuenta de que ha acabado en la boca del lobo, en medio de una lucha de poder que amenaza de subvertir el mismo trono. A medida que se aproxime a la verdad de lo que pasó esa noche, descubrirá que si vida está en peligro.

Els llops de Praga - Benjamin Black

Autor

John Banville (Wexford, Irlanda, 8 de diciembre de 1945) es un novelista irlandés, ganador del Premio Booker en 2005. Las obras que publica del género de novela negra las firma bajo el pseudónimo de Benjamin Black. Premio Príncipe de Asturias en 2014.

Desde muy joven —12 años— supo que quería ser escritor. Estudió en una escuela de los Hermanos Cristianos y en el colegio católico de San Pedro de Wexford.​ En lugar de ingresar en la universidad, prefirió comenzar a trabajar y lo hizo en la compañía aérea Aer Lingus, que le permitía viajar por el mundo.

Más tarde diría irónicamente de esta decisión: “Un gran error. Debería haber ido [a la universidad]. Lamento no haber tomado esos cuatro años de emborracharse y enamorarse. Pero quería irme de mi familia. Quería ser libre”.

Cuando regresó a Irlanda después de haber vivido en Estados Unidos en 1968 y 1969, se convirtió en periodista y entró a trabajar en el diario The Irish Press, donde llegó a ser subeditor jefe. Cuando este periódico desapareció en 1995, pasó al The Irish Times. Es colaborador habitual de The New York Review of Books.

Publicó su primer libro en 1970, una recopilación de relatos titulada Long Lankin, a la que seguiría una serie de novelas, la primera de ellas Nightspawn que salió al año siguiente. Después vinieron Birchwood (1973), la llamada Trilogía de las revoluciones —compuesta por Copérnico (1976), Kepler (1981) y La carta de Newton (1982)— y cerca de una docena de novelas más, entre las que destacan El libro de las pruebas (1989), finalista del Premio Booker) y El mar (2005), que ganó el preciado galardón.

Banville es conocido por el estilo preciso de su prosa. Su ingenio y su humor negro muestran la influencia de Nabokov. En 2006 aparece el primer libro de Benjamin Black: El secreto de Christine, a la que le han seguido otras cuatro novelas negras.

Sobre su desdoblamiento como escritor, ha dicho: “El arte es una cosa extraña. Bajo el sombrero de Banville puedo escribir 200 palabras al día. Un día decidí que podía convertirme en otro y bajo ese segundo sombrero, en esa segunda piel, puedo irme a comer tras haber escrito un millar de palabras, tal vez 2.000, y disfrutar con ello. Es increíble descubrir cómo otro tipo puede vivir tu vida y usar tus manos y deleitarse con eso. Escribir es un trabajo peculiar… Escribir es como respirar. Lo hago por necesidad. Por mi propia boca, y ahora también por la de Black”.

Para Banville, que también ha escrito piezas de teatro, su oficio tiene mucho de samurai: “Tener el valor, sabiendo previamente que vas a ser derrotado, y salir a pelear: eso es la literatura”.

Benjamin Black

¡Buena lectura!

Un altre temps (Otro tiempo) – Wystan Hugh Auden



¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Un altre temps (Otro tiempo) de Wystan Hugh Auden. Esta edición es en catalán (y los poemas originales en inglés).

Sinopsis

“Auden es el primer poeta de lengua inglesa que se sintió como en casa en el siglo XX”, como dijo su albacea, Edward Mendelson, en el prólogo de los Selected Poems: “Acogió en su poesía todas las circunstancias convulsas de su tiempo, toda la variedad de lenguajes y sucesos”. Mientras sus predecesores, cada uno a su manera, apelaban nostálgicamente a una forma u otra de paraíso perdido y de grand style, Auden se dejó absorver por las agitaciones políticas, sociales, morales, psicológicas y religiosas de su época y las fue reflejando desde diversos puntos de vista a medida que pasaba el tiempo hasta configurar una auténtica visión del mundo, aspecto que estaba al alcance de muy pocos poetas. En este sentido, pocas obras poéticas deben haber sido tan representativas de un siglo como la de Auden, que encarna los principales nódulos de tensiones y contradicciones que lo cruzan de arriba a abajo. Pero no nos engañemos: la historia es historia, y la poesía aspira justamente a no serlo. La fuerza y la originalidad de la obra poética de Auden se encuentran en su simultánea capacidad de absorción, meditación y regurgitación de la historia -pública o privada- que le tocó vivir, de la que no solo no se desembarazó, sino que la quiso atender, reflejar y en cierta manera transcender o resolver, aunque solo fuese en una planto espiritual o estético.

Autor

Wystan Hugh Auden, más conocido como W. H. Auden (York, 21 de febrero, 1907 – Viena, 29 de septiembre, 1973), fue un poeta y ensayista británico, nacionalizado estadounidense en 1946.

Nació en York (Inglaterra), hijo del médico George Augustus Auden y de Constance Rosalie Bicknell. Fue el menor de tres hijos: el mayor, George Bernard Auden, se convirtió en granjero, mientras que el segundo, John Bicknell Auden, fue geólogo.

En 1939, Auden se trasladó a Estados Unidos, donde se hizo ciudadano estadounidense en 1946. Estudió en la Escuela Gresham y más tarde en la Universidad de Oxford. Su nombre apareció relacionado con otras figuras de la vida literaria inglesa como Stephen Spender o Christopher Isherwood.

Sus poemas tempranos fueron escritos a fines de los años 1920 y, desde 1930, alternó un estilo telegráfico moderno y un modo de escribir fluido de corte tradicional, escrito con un tono dramático e intenso, que logró una reputación casi profética. Tras su ida a América, cambió el tono y exploró temas religiosos y dramáticos. Su obra poética es conocida por sus logros estilísticos y técnicos novedosos, su compromiso con los principales asuntos morales y políticos de su tiempo, y por su variedad de tonos, formas y contenidos. Los temas centrales de su poesía son: el amor personal, la política y el concepto de ciudadanía, la religión y la moral, y la relación entre los seres humanos como individuos y el anónimo e impersonal mundo de la naturaleza.

Está considerado como uno de los más grandes escritores del siglo XX, y ha sido —en lengua inglesa— equiparado con Yeats y T.S. Eliot. Fue premiado con el Bollingen Prize y el National Book Award.

Asimismo, fue un ensayista de primera fila, como el propio T.S. Eliot. Destacan sus estudios sobre Shakespeare, pero también los escritos sobre escritores y músicos como Goethe, Virginia Woolf, Valéry, Wilde, Cavafis, Hofmannsthal, Wagner y Verdi.

La Academia Sueca consideró candidato al Premio Nobel de Literatura a Auden en 1963, cuando fue parte de una lista junto con el irlandés Samuel Beckett,​ el japonés Yukio Mishima, el chileno Pablo Neruda, el danés Aksel Sandemose y el griego Giorgos Seferis. Luego, formó la terna final junto con Neruda y Seferis, a quien finalmente le fue concedido.​

En 1935, Auden se casó con Erika Mann, la hija del novelista alemán Thomas Mann. Fue un matrimonio de conveniencia para que ella consiguiera la nacionalidad británica y la posibilidad de escapar de la Alemania nazi, puesto que Auden era homosexual.

Auden publicó unos cuatrocientos poemas, incluidos siete poemas largos (dos de ellos de un libro). Su poesía fue enciclopédica en alcance y método, que va desde el oscuro modernismo del siglo XX a las formas tradicionales como las baladas y quintillas, a través de los haikus a un “Oratorio de Navidad” y una égloga barroca en metros anglosajones.​ El tono y el contenido de sus poemas iban desde clichés de canciones populares hasta complejas meditaciones filosóficas, desde los callos en los dedos de los pies hasta los átomos y las estrellas, desde las crisis contemporáneas hasta la evolución de la sociedad.

También escribió más de cuatrocientos ensayos y reseñas sobre literatura, historia, política, música, religión y muchos otros temas. Colaboró ​​en obras de teatro con Christopher Isherwood y en libretos de ópera con Chester Kallman, y trabajó con un grupo de artistas y cineastas en documentales en la década de 1930 y con el grupo de música antigua Pro Musica de Nueva York en los años 1950 y 1960. Acerca de la colaboración escribió en 1964: “la colaboración me ha traído una mayor alegría erótica… que cualquier relación sexual que haya tenido”.​

Auden reescribió políticamente o descartó algunos de sus poemas más famosos cuando preparó sus últimas ediciones recopiladas. Escribió que rechazó poemas que le parecieron “aburridos” o “deshonestos” en el sentido de que expresaban puntos de vista que nunca había tenido, pero que había utilizado solo porque consideraba que serían retóricamente eficaces.​ Sus poemas rechazados incluyen “España” y “1 de septiembre de 1939”. Su ejecutor literario, Edward Mendelson, argumenta en su introducción a Selected Poems que la práctica de Auden reflejaba su sentido del poder persuasivo de la poesía y su renuencia a usarla mal.​ (Selected Poems incluye algunos poemas que Auden rechazó y textos tempranos de poemas que revisó).

Auden comenzó a escribir poemas a los trece años, sobre todo en los estilos de poetas románticos del siglo XIX, especialmente Wordsworth, y poetas posteriores con intereses rurales, especialmente Thomas Hardy. A los dieciocho años descubrió a T. S. Eliot y adoptó una versión extrema del estilo de Eliot. Encontró su propia voz a los veinte años cuando escribió el primer poema más tarde incluido en su obra recopilada, “Desde la primera vez que descendió”.​ Este y otros poemas de finales de la década de 1920 tendían a ser de un estilo recortado y elusivo que aludía, pero no describía directamente, sus temas de soledad y pérdida. Veinte de estos poemas aparecieron en su primer libro Poemas (1928), un panfleto impreso a mano por Stephen Spender.

En 1928 escribió su primer trabajo dramático, Paid on Both Sides, subtitulado “A Charade“, que combinaba estilo y contenido de las sagas islandesas con bromas de la vida escolar inglesa. Esta mezcla de tragedia y farsa, con un juego de ensueño dentro de un juego, introdujo los estilos mixtos y el contenido de gran parte de su obra posterior.​ Este drama y treinta poemas cortos aparecieron en su primer libro publicado Poemas (1930, 2a edición con siete poemas reemplazados, 1933); los poemas en el libro eran principalmente meditaciones líricas y gnómicas sobre el amor esperado o no consumado y sobre temas de renovación personal, social y estacional; entre estos poemas estaban “Era Pascua mientras caminaba“, “La condenación es oscura“, “Señor, ningún enemigo del hombre” y “Esta belleza lunar“.

Un tema recurrente en estos poemas tempranos es el efecto de “fantasmas familiares”, el término de Auden para los efectos psicológicos poderosos e invisibles de las generaciones precedentes sobre cualquier vida individual (y el título de un poema). Un tema paralelo, presente a lo largo de su trabajo, es el contraste entre la evolución biológica (no elegida e involuntaria) y la evolución psicológica de las culturas y los individuos (voluntaria y deliberada incluso en sus aspectos subconscientes).

El siguiente trabajo a gran escala de Auden fue The Orators: An English Study (1932, ediciones revisadas, 1934, 1966), en verso y prosa, en gran parte sobre el culto a los héroes en la vida personal y política. En sus poemas más cortos, su estilo se hizo más abierto y accesible, y las exuberantes “Seis Odas” en Los Oradores reflejan su nuevo interés por Robert Burns. Durante los siguientes años, muchos de sus poemas tomaron su forma y estilo de baladas tradicionales y canciones populares, y también de formas clásicas expansivas como las Odas de Horacio, que parece haber descubierto a través del poeta alemán Hölderlin. Alrededor de esta época, sus principales influencias fueron Dante, William Langland y Alexander Pope.

Durante estos años, gran parte de su trabajo expresaba opiniones izquierdistas, y se hizo ampliamente conocido como un poeta político aunque en privado era más ambivalente sobre la política revolucionaria de lo que muchos críticos reconocieron, y Mendelson argumenta que expuso puntos de vista políticos en parte por un sentido de deber moral y en parte porque mejoró su reputación, y que más tarde lamentó haberlo hecho.​ Generalmente escribió sobre el cambio revolucionario en términos de un “cambio del corazón”, una transformación de una sociedad de una psicología del miedo cerrada a una psicología abierta del amor.​

Su drama en verso The Dance of Death (La danza de la muerte) (1933) fue una extravagancia política al estilo de una revista teatral, que Auden luego denominó “un salto nihilista”.​ Su siguiente obra The Dog Beneath the Skin (1935), escrita en colaboración con Isherwood, fue similarmente una actualización casi marxista de Gilbert y Sullivan en la que la idea general de transformación social era más prominente que cualquier acción o estructura política específica.

The Ascent of F6 (1937), otra obra escrita con Isherwood, era en parte una sátira antiimperialista, en parte (en el personaje del escalador autodestructivo Michael Ransom) un examen de los motivos de Auden para asumir un papel público como poeta político. Esta obra incluye la primera versión de “Funeral Blues” (“Detener todos los relojes“), escrita como un elogio satírico para un político. Posteriormente, Auden reescribió el poema como una “canción de cabaré” sobre el amor perdido (escrita para ser cantada por la soprano Hedli Anderson, para quien escribió muchas letras en la década de 1930). En 1935, trabajó brevemente en documentales con G.P.O. Film Unit, escribiendo su famoso comentario en verso para Night Mail y libretos de otras películas que fueron uno de sus intentos en la década de 1930 para crear un arte ampliamente accesible y socialmente consciente.

En 1936, el editor de Auden eligió el título Look, Stranger! para una colección de odas políticas, poemas de amor, canciones cómicas, letras meditativas y una variedad de versos intelectualmente intensos pero emocionalmente accesibles; Auden odiaba el título y retituló la colección para la edición estadounidense de 1937, En esta isla. Entre los poemas incluidos en el libro están “Rumor de cosechas“, “En el césped, me acuesto en la cama“, “O qué es ese sonido“, “Mira, extraño, en esta isla ahora“, y ” Nuestros padres cazadores“.

Auden argumentaba que un artista debería ser una especie de periodista, y puso esta visión en práctica en Letters from Iceland (1937), un libro de viajes en prosa y verso escrito con Louis MacNeice, que incluía su largo comentario social, literario y autobiográfico “Carta a Lord Byron“.​ En 1937, después de observar la Guerra Civil Española, escribió un poema panfletario con intención política, España (1937); luego lo descartó de sus obras completas. Viaje a la Guerra (1939), un libro de viajes en prosa y verso fue escrito con Isherwood después de su visita a la Guerra Chino-Japonesa. La última colaboración de Auden con Isherwood fue su tercera obra, On the Frontier, una sátira contra la guerra escrita en los estilos de Broadway y el West End.​

Los poemas más cortos de Auden ahora se relacionan con la fragilidad y la fugacidad del amor personal (“Danse Macabre“, “El sueño“, “Pon tu cabeza dormida“), un tema que trató con ingenio irónico en sus “Cuatro canciones de cabaret para Miss Hedli Anderson” (que incluía “Dime la verdad sobre el amor” y la versión revisada de “Funeral Blues“), y también el efecto corruptor de la cultura pública y oficial en las vidas individuales (“Casino“, “School Children“, “Dover“). En 1938 escribió una serie de baladas oscuras e irónicas sobre el fracaso individual (“Miss Gee“, “James Honeyman“, “Victor“). Todo esto apareció en Another Time (1940), junto con poemas que incluyen “Dover“, “As He Is” y “Musée des Beaux Arts” (todos los cuales fueron escritos antes de que se mudara a Estados Unidos en 1939), y “In Memory de WB Yeats“,”The Unknown Citizen“,”Law Like Love“,”1 de septiembre de 1939” y “In Memory of Sigmund Freud” (todos escritos en Estados Unidos).

Las elegías para Yeats y Freud son en parte declaraciones antiheroicas, en las que se realizan grandes hazañas, no por genios únicos que otros no pueden esperar imitar, sino por individuos ordinarios que eran “tontos como nosotros” (Yeats) o de los cuales podría decirse que “él no era listo en absoluto” (Freud), y que se convirtió en maestro de otros.​

En 1940 Auden escribió un largo poema filosófico “Carta de Año Nuevo“, que apareció con notas misceláneas y otros poemas en The Double Man (1941). En el momento de su regreso a la Comunión Anglicana, comenzó a escribir versos abstractos sobre temas teológicos, como “Canzone” y “Kairos y Logos“. Alrededor de 1942, a medida que se sentía más cómodo con temas religiosos, su verso se volvió más abierto y relajado, y usaba cada vez más el verso silábico que había aprendido de la poesía de Marianne Moore.​

El trabajo de Auden en esta época aborda la tentación del artista de utilizar a otras personas como material para su arte en lugar de valorarlas por sí mismas (“Próspero a Ariel“) y la obligación moral correspondiente de hacer y mantener compromisos mientras reconoce la tentación de romperlos (“En enfermedad y salud“). De 1942 a 1947 trabajó principalmente en tres largos poemas en forma dramática, cada uno diferente de los demás en forma y contenido: “Por el tiempo: un oratorio de Navidad“, “El mar y el espejo: un comentario sobre La tempestad de Shakespeare“. (ambos publicados en For the Time Being, 1944), y The Age of Anxiety: A Baroque Eglogue (publicado separadamente en 1947). Los primeros dos, con otros poemas nuevos de Auden de 1940 a 1944, se incluyeron en su primera edición recopilada, The Collected Poetry of W. H. Auden (1945), con la mayoría de sus poemas anteriores, muchos en versiones revisadas.

Después de completar The Age of Anxiety en 1946 se centró de nuevo en poemas más cortos, notablemente “A Walk After Dark“, “The Love Feast” y “The Fall of Rome“. Muchos de ellos evocaban el pueblo italiano donde veraneó en 1948-57, y su siguiente libro, Nones (1951), tenía una atmósfera mediterránea nueva en su trabajo. Un nuevo tema era la “importancia sagrada” del cuerpo humano​ en su aspecto ordinario (respirar, dormir, comer) y la continuidad con la naturaleza que el cuerpo hacía posible (en contraste con la división entre humanidad y naturaleza que había enfatizado en la década de 1930);​ sus poemas sobre estos temas incluyeron “En alabanza a la piedra caliza” (1948) y “Memorial para la ciudad” (1949). En 1949 Auden y Kallman escribieron el libreto para la ópera The Rake’s Progress de Igor Stravinsky, y más tarde colaboraron en dos libretos para óperas de Hans Werner Henze.​

El primer libro en prosa independiente de Auden fue The Enchafèd Flood: The Romantic Iconography of the Sea (1950), basado en una serie de conferencias sobre la imagen del mar en la literatura romántica.​ Entre 1949 y 1954 trabajó en una secuencia de siete poemas del Viernes Santo, titulada “Horae Canonicae“, un estudio enciclopédico de la historia geológica, biológica, cultural y personal, centrado en el acto irreversible del asesinato; el poema también fue un estudio en ideas cíclicas y lineales del tiempo. Mientras escribía esto, también escribió “Bucolics“, una secuencia de siete poemas sobre la relación del hombre con la naturaleza. Ambas secuencias aparecieron en su siguiente libro, El escudo de Aquiles (1955), con otros poemas cortos, incluido el poema del título del libro, “Visita de la flota” y “Epitafio para el soldado desconocido“.

En 1955-56 Auden escribió un grupo de poemas sobre “historia”, el término que solía referirse al conjunto de eventos únicos hechos por elecciones humanas, en oposición a “naturaleza”, el conjunto de eventos involuntarios creados por procesos naturales, estadísticos, y fuerzas anónimas como multitudes. Estos poemas incluyen “T the Great“, “The Maker“, y el poema del título de su siguiente colección Homenaje a Clio (1960).

A finales de la década de 1950, el estilo de Auden se volvió menos retórico, mientras que su gama de estilos aumentó. En 1958, tras trasladar su residencia de verano de Italia a Austria, escribió “Adiós al Mezzogiorno“; otros poemas de este período incluyen “Dichtung und Wahrheit: Un poema no escrito“, un poema en prosa sobre la relación entre el amor y el lenguaje personal y poético, y el contraste “Dame Kind“, sobre el instinto reproductivo impersonal anónimo. Estos y otros poemas, incluidos sus poemas sobre la historia de 1955-66, aparecieron en Homage to Clio (1960). Su libro en prosa The Dyer’s Hand (1962) reunió muchas de las conferencias que dio en Oxford como profesor de poesía en 1956-61, junto con versiones revisadas de ensayos y notas escritas desde mediados de la década de 1940.​

Entre los nuevos estilos y formas del trabajo posterior de Auden se encuentran el haiku y el tanka que comenzó a escribir después de traducir haikus y otros versos en Dag Hammarskjöld. Una secuencia de quince poemas sobre su casa en Austria, “Acción de Gracias por un Hábitat” (escrita en varios estilos que incluían una imitación de William Carlos Williams) apareció en About the House (1965), junto con otros poemas que incluían su reflexión sobre sus conferencias, “En el circuito“. A finales de la década de 1960 escribió algunos de sus poemas más vigorosos, incluyendo “River Profile” y dos poemas que rememoraron su vida, “Prologue at Sixty” y “Forty Years On“. Todos estos aparecieron en City Without Walls (1969). Su pasión de por vida por la leyenda islandesa culminó en su traducción en verso de The Elder Edda (1969). Entre sus temas posteriores figuraba el “cristianismo sin religión” que aprendió en parte de Dietrich Bonhoeffer, el destinatario de su poema “El niño del viernes“​.

A Certain World: A Commonplace Book (1970) era una especie de autorretrato hecho de citas favoritas con comentarios, ordenadas alfabéticamente por tema.​ Su última prosa fue una selección de ensayos y reseñas, Forewords and Afterwords (1973).​ Sus últimos libros de verso, Epístola a un ahijado (1972) y el inconcluso Gracias, Niebla (publicado póstumamente, 1974) incluyen poemas reflexivos sobre el lenguaje (“Lingüística Natural“) y sobre su propio envejecimiento (“Un saludo de Año Nuevo“, “Hablando conmigo mismo“, “Una canción de cuna” [“El estrépito del trabajo es moderado“]). Su último poema completo fue “Arqueología“, sobre el ritual y la atemporalidad, dos temas recurrentes en sus últimos años.​

¡Buena lectura!



Irlanda indòmita (Irlanda indómita) – William Butler Yeats



¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Irlanda indòmita (Irlanda indómita) de William Butler Yeats. Esta edición es en catalán (y los poemas originales en inglés).

Sinopsis

La vida y la obra de William Butler Yeats van indisolublemente unidas en su país, Irlanda, y a la experiencia de los años de lucha por la independencia. Su relación con el movimiento independentista no fue nada fácil. Yeats aspiraba una Irlanda diferente, con una sensibilidad y una cultura distintas, basadas en las antiguas raíces celtas, aún vivas en el pueblo, que, unidas al rigor intelectual y formal, habían de marcar la diferencia con el materialismo del mundo inglés y, en general, del mundo moderno.

Esta posición, decididamente decantada a favor del arte y del espíritu, le causó numerosos malentendidos y conflictos, pero al mismo tiempo le llevó a escribir unos poemas que son de los más sólidos y emocionantes del siglo XX.

La presente antología de 150 poemas (en homenaje al 150 aniversario de su nacimiento) es la primera en catalán que incluye poemas de todos los libros que publicó a lo largo de cincuenta años y que permite, por tanto, reseguir la evolución de Yeats desde sus inicios románticos hasta la poesía basada en su experiencia personal y colectiva de tantos años.

Autor

William Butler Yeats (Dublín, 13 de junio de 1865 – Roquebrune-Cap-Martin, Francia, 28 de enero de 1939) fue un poeta y dramaturgo irlandés. Envuelto en un halo de misticismo, fue una de las figuras más representativas del renacimiento literario irlandés y uno de los fundadores del Abbey Theatre. También ejerció como senador. Fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1923.

William Butler Yeats nació en Georgeville, cerca de Sandymount Castle, en Dublín (Irlanda), hijo del pintor John Butler Yeats y de Susan Pollexfen Yeats, de una familia angloirlandesa de comerciantes protestantes. Su abuelo, llamado también William Butler Yeats, era rector de la Iglesia de Irlanda, pero su padre era un nacionalista escéptico y ateo. El carácter del joven poeta combinó ambos mundos en un extraño misticismo que le permitía a la vez rechazar la religión tradicional y el cientifismo estéril. El biógrafo Richard Ellmann escribe al respecto: «Eligió una fe excéntrica en algún lugar entre las creencias ortodoxas de su abuelo y los descreimientos no ortodoxos de su padre».

En 1867, a los dos años, Yeats se trasladó con su familia a Londres, al número 23 de la calle Fitzroy. Allí permaneció apenas cinco años, pues en julio de 1872 regresó con su madre y sus hermanos al condado irlandés de Sligo, a la casa de sus abuelos William y Elizabeth Pollexfen en el distrito de Merville. Allí se empapó de los cuentos de hadas que contaba la gente sencilla de Irlanda; su misma madre le contó muchas historias de duendes y gnomos, mientras que los campesinos relataban experiencias con la «gente pequeña». Sin duda este periodo marcó para siempre su carácter, como él mismo admitió: «El lugar que realmente tuvo mayor influencia en mi vida fue Sligo».

En octubre de 1874 vuelve de nuevo con su familia a Londres y se instala en Edith Villas. Allí su padre se relaciona con un grupo de pintores de la Hermandad Prerrafaelista. En la primavera de 1877 William comienza sus estudios en la escuela londinense de Godolphin de Hammersmith, pero ante el escaso éxito de su padre como pintor marchan en el verano de 1881 a Balscadden Cottage, en Howth, cerca de Dublín. Yeats empieza a escribir y leer poesía. Estudia en la Erasmus Smith High School hasta diciembre de 1883, de forma poco aplicada y distraída, ya que lo único que parecía interesarle de verdad era la poesía.

En 1884 intentó en vano asistir al Trinity College; más tarde y a su pesar ingresa en la Escuela Metropolitana de Arte de Dublín, donde estudia pintura. Allí conoce a George William Russell (que usó el pseudónimo de AE), y éste le inicia en el mundo de lo esotérico y sobrenatural. Comienza a escribir poesía simbolista y a experimentar con visiones y alucinaciones. Detesta la ciencia, a la que veía en contraste directo con la poesía, la belleza y la verdad, y, tras renunciar al credo protestante en 1880, empieza a sentirse atraído por el budismo.

En 1896 regresó a Irlanda, donde se integró en el movimiento del renacimiento literario de su país y entabló amistad con la dramaturga nacionalista lady Isabella Augusta Gregory, en cuya casa se hospedó a veces para recobrar su quebrantada salud y que lo sacó de la depresión a que lo había abocado el final de tan larga historia de amor; con su ayuda fundó el Teatro Abbey y la Compañía de Teatro Nacional Irlandés (1901), fundamentales en el desarrollo cultural de la Irlanda de esos años. Yeats escribió algunas piezas para esta compañía, de la que fue director hasta su misma muerte. Al principio su inspiración para estas obras vino de la mitología céltica irlandesa, frecuentemente en torno al héroe Cúchulainn, la heroína Deirdre y el Ciclo de Ulster, bajo una fuerte impronta simbolista; Yeats estrenó en total las siguientes piezas, por orden cronológico: La condesa Cathleen (1892, representada en 1899); El país de nuestros deseos (1894); Cathleen Ni Houlihan (1902); The Pot of Broth (1902); Las aguas tenebrosas (1900, estrenado en 1904); El reloj de arena (1903); En los siete bosques (1903); El umbral del palacio del rey (1904); On Baile’s Strand (1904); Deirdre (1906), El Unicornio de las Estrellas (1907); El yelmo verde (1910) y El gato y la Luna. Agotado el modelo del teatro simbolista, con el que Yeats quiso enfrentarse al Naturalismo ibseniano que imperaba en los escenarios ingleses, intentó innovar asimilando ciertos influjos del teatro nō japonés, que empezaba a conocerse en Europa a través de las traducciones de su secretario, el también poeta Ezra Pound; incorporó la ritualidad que caracteriza esta dramaturgia, empleó máscaras y gestos e incluyó coros, danzas y música ceremonial. Los elementos simbolistas se hallaban en diálogos de tono poético en los que irrumpía lo místico y lo onírico. Las piezas compuestas en este periodo fueron reunidas en 4 piezas para baile (1921).

Estas audacias escénicas exigían un público experto y reducido, por lo que contribuyeron al desarrollo del teatro de cámara; sin embargo Yeats va evolucionando en su dramaturgia hacia estructuras y lenguaje más claros dejando en el camino parte de su misticismo y hermetismo.

Por entonces el poeta norteamericano Ezra Pound empieza a trabajar como secretario suyo y le descubre la literatura japonesa; tras conocer a la joven Bertha “Georgie” Hyde-Lees, Yeats compra una torre normanda en Kiltartan Cross y se casa con Hyde-Lees en 1918. Fue una buena decisión, pues puso en orden la vida del poeta y renovó su poesía incitándole a experimentar con la escritura automática. Tras la independencia de Irlanda, es elegido senador por este nuevo país en 1922 y permanece en el cargo hasta 1928. En 1923 recibe el premio Nobel de literatura.

Este fue el período más fecundo de Yeats, el de su madurez y vejez. Destacan los volúmenes de poesía El casco verde, Responsabilidades y Los cisnes salvajes de Coole, en los que se evidencia una profunda evolución de su lenguaje lírico, que se hace personal, vigoroso, exacto y deslumbrante. En 1925 escribió el tratado Una visión, donde expresa su creencia en la íntima relación entre la imaginación poética y la realidad universal. Según el historiador Giordano Berti (en Claves y secretos del Tarot, Barcelona, Salvat, 2005, p. 23) en esta obra, la más misteriosa del poeta irlandés, vive el recuerdo de la enseñanza esotérica de la Golden Dawn sobre el Tarot; las “28 incarnaciones”, como explicaba Yeats, son fases de la transformación del ser. De este material nacieron, por sugerencia de su secretario Ezra Pound, hermosas colecciones poéticas como La torre (1928), La escalera de caracol (1933) y Últimos poemas y obras de teatro, que incluye el celebrado «Bizancio», con las que Yeats alcanzó el cénit de su lírica.

Su poesía, a pesar de su espíritu innovador, generalmente se caracterizó por su cuidado formal, el simbolismo y ciertos toques que anticipan el surrealismo. El 28 de enero de 1939 fallece en la localidad francesa de Menton a los 73 años.

Yeats consiguió liberar a la poesía irlandesa de la esclavitud a los moldes, géneros y temas de la poesía británica; rompió con la tradición de la poesía victoriana adscribiéndose al simbolismo y profundizó en él en busca de los arquetipos junguianos que subyacen en todas las culturas.

Yeats era un nacionalista irlandés, y buscaba un estilo de vida tradicional articulado a través de poemas tales como «El pescador» (The Fisherman). Sin embargo, a medida que sus años pasaron, refugió mucho de su espíritu revolucionario y se distanció del intenso paisaje político de la época hasta el año 1922, cuando fue nombrado Senador del Estado Libre de Irlanda.​

Durante la etapa temprana de su vida, Yeats fue miembro de la Hermandad Republicana Irlandesa. Debido a la tensión de la escena política en escalada del momento, se distanció a sí mismo del núcleo del activismo político en medio del Alzamiento de Pascua, refrenando incluso su poesía inspirada por los eventos hasta 1920.

En los años 30, Yeats quedó fascinado con los movimientos autoritarios, antidemocráticos, nacionalistas y anticomunistas de Europa, y compuso varias marchas para la organización de extrema derecha de los Blueshirts (camisas azules), aunque estos nunca fueron usados.

Él era un fiero oponente del individualismo y el liberalismo político, y vio a los movimientos fascistas como el triunfo del orden público y las necesidades del colectivo nacional sobre el ‘individualismo tirano’. Por otra parte, también era un elitista, horrorizado ante la idea del gobierno del pueblo o las masas, y vio la democracia como una amenaza contra la buena gobernancia y el orden público.​ Después de que los Blueshirts empezaran a marchitarse en Irlanda, Yeats se distanció algo del movimiento, pero mantuvo una fuerte preferencia por el liderazgo autoritario y nacionalista.

En diciembre de 1923 Yeats fue condecorado con el Premio Nobel de Literatura y sacó el máximo partido a la ocasión. Fue consciente en todo momento del valor simbólico de este premio en tanto que era un irlandés el galardonado, poco después de que Irlanda consiguiera la independencia, subrayando este hecho siempre que le fue posible. En respuesta a las muchas cartas de felicitación que recibió dijo: «considero que este honor no ha venido a mí tanto como individuo que como representante de la literatura irlandesa, este reconocimiento es parte de la bienvenida por parte de Europa al estado libre». En la lectura de su discurso de aceptación del Nobel en la Real Academia Sueca se presentó como estandarte del nacionalismo irlandés y de la independencia cultural irlandesa. El premio conllevó un importante aumento de la venta de sus libros pues sus editores (Macmillan) lograron una importante publicidad. Por primera vez tuvo dinero y pudo pagar no sólo sus propias deudas, sino también las de su padre.

¡Buena lectura!



Sakura – Matilde Asensi

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Sakura de Matilde Asensi.

Sinopsis

En 1990 el retrato del doctor Gachet de Van Gogh fue subastado en Christie’s por la cifra récord de ochenta y dos millones y medio de dólares. Lo compró el empresario japonés Ryoei Saito.

Enfadado con el gobierno de su país por los impuestos que le reclamaban por el cuadro, Saito anunció en una rueda de prensa mundial que el lienzo de Van Gogh desaparecería con él.

Desde su muerte, en 1996, nada se ha vuelto a saber de la obra en el mundo del arte. Un misterio que ha hecho correr ríos de tinta y ha dado pie a todo tipo de especulaciones.

Matilde Asensi novela su búsqueda y da respuesta a muchas de las incógnitas del enigma de su desaparición.

Desde la galería Père Tanguy en París y con la dirección del japonés Ichiro Koga, un grupo heterogéneo de cinco personas desconocidas entre sí emprenderá una aventura que cambiará sus vidas.

La enfermera Odette, el galerista Hubert, el artista urbano Oliver, la pintora y galerista on line Gabriella y el manitas John viajarán por Japón sorteando peligros y descifrando enigmas que les guiarán en la búsqueda del cuadro. Por el camino tejerán entre ellos unos lazos invisibles que les llevarán al éxito o al fracaso.

Autora

Matilde Asensi Carratalá (Alicante, 12 de junio de 1962)​ es una periodista y escritora española, que se dedica principalmente a la novela histórica y de aventuras. Desde pequeña quiso ser escritora y aunque no comenzó a publicar a una edad temprana, lleva escribiendo “toda la vida”.​ Muy aficionada a la lectura desde su infancia, “algunas de sus compañeras del colegio Teresianas de Alicante todavía recuerdan que, a veces, sacrificaba el recreo para quedarse leyendo en el aula”.​

Estudió periodismo en la Universidad Autónoma de Barcelona. Trabajó durante tres años en los informativos de Radio Alicante-SER, después pasó a Radio Nacional de España (RNE) como responsable de los informativos locales y provinciales, ejerciendo simultáneamente como corresponsal de la agencia EFE, y colaborando en los diarios provinciales La Verdad e Información.

En 1991, después de comprender que el periodismo le quitaba el tiempo que necesitaba para escribir ficción, se presentó a una plaza de administrativa en el Servicio Valenciano de Salud, para tener un horario que le permitiera dedicarse a su verdadera vocación.

Publicó su primera novela, El salón de ámbar, a los 37 años, y desde entonces ha venido sacando un libro cada año o año por medio. El éxito la ha acompañado: sus obras, que han ganado numerosos lectores y premios, han sido traducidas a 15 idiomas.​ Su tercera novela, El último catón, es posiblemente la más conocida y aclamada internacionalmente.

Su cuarta novela, El origen perdido (2003), generó polémica; el historiador y periodista argentino Pablo Cingolani se lamentó en 2005 que Asensi no hubiera citado sus investigaciones como una de las fuentes del libro​ y después acusó a la autora de plagio, particularmente de los resultados de las expediciones al Madidi que dirigió y en las que participó el antropólogo y escritor Álvaro Díez Astete (quien, a su vez, escribió una carta abierta a Asensi en la que protestaba por las tergiversaciones que, según él, hizo ella de declaraciones suyas).​ Carlos Reyés, de la Editorial Planeta, mostró su perplejidad ante las acusaciones de Cingolani y después de comparar los materiales del argentino con el capítulo IV de la novela de Asensi, consideró que no había plagio alguno y que ni siquiera veía un eventual derecho de cita. A pesar de la conclusión a la que llegó Reyés, el 8 de septiembre de 2005 la Cámara de Diputados de Bolivia, país donde se desarrolla la mayor parte de la trama de la novela, aprobó “una declaración en la que acusa a la autora de haber «violado los más elementales derechos de propiedad de Bolivia y los derechos de autor de los miembros de la Expedición Madadi»” y considera que la respuesta de Reyés fue dada “en términos agravantes para la dignidad nacional”.​ Al año siguiente, la justicia boliviana citó a declarar en La Paz a Asensi y Reyés,​ después de que Cingolani y Díez Astete, “que figura en la novela con su nombre y apellidos reales como un personaje más de la obra”,​ hubieran interpuesto ante los tribunales la demanda correspondiente.​

En 2007, salió Tierra firme, el primer libro de la trilogía de Asensi, Martín Ojo de Plata, en donde la protagonista es Catalina Solís, una intrépida española que después de lograr escapar de un asalto pirata cuando se dirigía al Caribe comienza una nueva vida bajo el nombre de Martín Nevares. La segunda novela de esta serie, Venganza en Sevilla, fue publicada en 2010 y al año siguiente aparecieron ambas en un libro bajo el título Martín Ojo de Plata. La última parte de la trilogía salió en junio de 2012 con el título La conjura de Cortés.

El regreso del catón, historia que gira en torno a la tumba perdida de Jesús, apareció en 2015 y ha sido escrita para satisfacer las exigencias de los seguidores de la escritora. Como Asensi misma explica: “La gente me pedía la continuación de El último catón. Sabía que era un libro que había gustado por el número de ventas, pero no que lo adoraran tanto. Todos los días me pedían una continuación. Me quedé perpleja ante la insistencia de millares de personas”. “Debía pensar cómo reabrir de manera natural” una novela “que ya tenía cerrada y más que cerrada”.​ Como explica Winston Manrique, de El País, “El regreso del catón es un viaje de saltos en el tiempo por tres épocas: siglo I, siglo XII y el presente siglo XXI”, en el que incluye “la situación política del Vaticano con la evolución de los diferentes poderes de comunidades religiosas y cómo el papa Francisco ha trastocado algunos de esos puntos de fuerza e influencia, así como los ataques del Estado Islámico que se han llevado por delante monumentos importantes”.​ Asensi ha afirmado que está deseando que sus novelas se lleven al cine, pero a pesar de las muchas ofertas de las productoras, hasta el momento la escritora no ha logrado ponerse de acuerdo con ellas. Dice la novelista al respecto: “O yo no sé trabajar con la gente del cine o la gente del cine no sabe trabajar con mis libros… Yo no estoy dispuesta a dar mis libros a cualquier precio. Ganaría mucho dinero, ganaría muchos lectores… pero quiero calidad, quiero un trabajo serio”.

¡Buena lectura!

Testament (Testamento) – Joaquim Carbó

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Testament (Testamento) de Joaquim Carbó. Esta edición es en catalán.

Sinopsis

Un escritor viejo que ve como el tiempo se le acorta entrega a su vecino una serie de notas con los planteamientos argumentales de las novelas que ya no podrá escribir. El joven intenta poner orden, reflexionando sobre las posibilidades de las historias. Así pasa a formar parte, sin saberlo, del proceso de escritura.

Testament (Testamento) es la obra más ambiciosa de Joaquim Carbó. Vemos como sus dotes innatos de observación y su pasión desmesurada por la fabulación se dan la mano con toda una polifonía de géneros y estilos, desde el relato neorealista hasta la ucronía, desde la novela histórica hasta el costumbrismo de barrio que tanto agrada al autor, todo adobado con una perspectiva llena de melancolía y nostalgia.

Autor

Joaquim Carbó i Masllorens (Caldas de Malavella, 1932) es un escritor que desarrolla su obra en catalán.

Se le conoce tanto por su obra para niños y jóvenes como por la destinada a los adultos (es autor de un centenar de títulos). Ha trabajado en varios colectivos y proyectos emblemáticos de la cultura catalana. Por ejemplo, pertenece a los pioneros de la revista Cavall Fort, formó parte del grupo Ofèlia Dracs y fue uno de los primeros dirigentes de la Associació d’Escriptors en Llengua Catalana. Es un escritor preocupado por la pedagogía, la literatura y la lectura.

¡Buena lectura!

Todos nosotros – Raymond Carver

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Todos nosotros de Raymond Carver.

Sinopsis

En poco más de diez años de intenso trabajo literario, los que van desde que dejó atrás el alcoholismo hasta su temprana muerte, Raymond Carver forjó una obra de primerísima magnitud. Sus cuentos fueron celebrados internacionalmente y le valieron el calificativo de “Chéjov americano”, pero, en paralelo a esa carrera como narrador, a lo largo de los años ochenta del pasado siglo también fue escribiendo varios poemarios.

De hecho, él mismo dijo: “Empecé como poeta. Lo primero que publiqué fue un poema. De modo que supongo que me gustaría que en mi lápida pusiese “Poeta, cuentista y ocasional ensayista”, en ese orden”. Y es que los pomearios de Carver aquí reunidos -cinco libros, tres publicados en vida, uno póstumo y un quinto que reunía sus inéditos- permiten constatar que su poesía no fue ni mucho menos un ejercicio menor, un capricho, una producción subsidiaria o marginal. Sus versos forman parte sustancial de su corpus literario, y no solo ayudan a construir un retrato completo de quien los escribió, sino que son un complemento imprescindible para cualquier lector de sus cuentos.

Los más de trescientos poemas de este volumen -que incorpora un emotivo prólogo de su vida, la escritora Tess Gallagher- están arraigados a la vida, a lo cotidiano, y demuestran que Carver no fue solo un narrador superdotado, sino también un poeta profundo y emocionante, que sabía explorar los instantes de felicidad o desolación, las flaquezas y la dignidad de los seres humanos, las escurridizas epifanías que asoman en las vidas más anodinas. Sus versos atrapan la intimidad sin pompa ni excesos retóricos, y muestran una empática capacidad de comprensión hacia sus semejantes que lo conecta con su amado Chéjov.

Autor

Raymond Clevie Carver, Jr. (Clatskanie, Oregón, 25 de mayo de 1938-Port Angeles, Washington, 2 de agosto de 1988) fue un cuentista y poeta estadounidense. Destacado principalmente por sus relatos de corte minimalista​ en su mayoría ambientados en la región Noroeste de Estados Unidos y protagonizados por personajes de clase trabajadora o media baja,​ Carver es considerado uno de los fundadores y mayores exponentes del movimiento literario conocido como «realismo sucio».

Carver nació en Clatskanie, Oregón y creció en Yakima, Washington. Su padre trabajaba en un aserradero y era alcohólico. Su madre trabajaba como camarera y vendedora. Tuvo un único hermano llamado James Franklyn Carver que nació en 1943.

Durante algún tiempo, Carver estudió bajo la tutela del escritor John Gardner, en el Chico State College, en Chico, California. Publicó un sinnúmero de relatos en revistas y periódicos, incluyendo el New Yorker y Esquire, que en su mayoría narran la vida de obreros y gente de las clases desfavorecidas de la sociedad estadounidense. Sus historias han sido incluidas en algunas de las más prestigiosas compilaciones estadounidenses: Best American Short Stories y el Premio O. Henry de relatos cortos.

Carver estuvo casado dos veces. Su segunda esposa fue la poetisa Tess Gallagher. Alcohólico, cuyos efectos se manifiestan en algunos de sus personajes, Carver permaneció sobrio los últimos diez años de su vida. Era un gran amigo de Tobias Wolff y de Richard Ford, escritores también del realismo sucio.

En 1988, fue investido por la Academia Americana de Artes y Letras.

Los críticos asocian los escritos de Carver al minimalismo y le consideran el padre de la citada corriente del realismo sucio. En la época de su muerte Carver era considerado un escritor de moda, un ícono que América “no podría darse el lujo de perder”, según Richar Gottlieb, entonces editor de New Yorker. Sin duda era su mejor cuentista, quizá el mejor del siglo junto a Chéjov, en palabras del escritor chileno Roberto Bolaño. Al hilo de esta idea cabe destacar un soberbio cuento dedicado a los últimos días del referido escritor ruso de nombre “Tres rosas amarillas”.

Su editor en Esquire, Gordon Lish, desempeñó un papel decisivo en concebir el estilo de la prosa de Carver. Por ejemplo, donde Gardner recomendaba a Carver usar 15 palabras en lugar de 25, Lish le instaba a usar 5 en lugar de 15. Durante este tiempo, Carver también envió su poesía a James Dickey, entonces editor de poesía de Esquire.

Carver murió en Port Angeles, Washington, de cáncer de pulmón, a los 50 años.

En 1998, diez años después de la muerte de Carver, un artículo en la revista New York Times Magazine suscitó polémica al alegar que su editor Gordon Lish no sólo dio consejos a Carver, sino que reescribió párrafos enteros de sus cuentos, hasta el punto de cambiar el final innumerables veces. En el caso de los relatos del libro De qué hablamos cuando hablamos de amor, Lish llegó a reducir a la mitad el número de palabras originales y reescribió 10 de los 13 finales de los cuentos del libro. Por ejemplo, el cuento “Diles a las mujeres que nos vamos” (“Tell The Women We’re Going”) gana una dimensión más abstracta en manos de Lish, que suprime las relaciones de causa y efecto que llevan a dos adultos a matar a dos adolescentes, y añade torpeza, profundidad y silencio donde antes había — según D.T.Max, autor del artículo— demasiadas palabras.

¡Buena lectura!

Érase una vez la taberna de Swan – Diane Setterfield

¡Hola a todos!

El siguiente libro que quiero mostraros de mi Biblioteca es Érase una vez la taberna de Swan de Diane Setterfield.

 

Sinopsis

En una oscura y brumosa noche, en el pequeño pueblo inglés de Radcot, a orillas del Támesis, los lugareños se reúnen en el Swan para compartir un trago e historias llenas de sabiduría popular. Con seiscientos años de antigüedad, la taberna es famosa por congregar a los mejores narradores de cuentos populares, pero esa noche la tertulia nocturna se ve interrumpida por la llegada de un hombre misterioso empapado en sangre que carga en sus brazos con una niña inconsciente. Antes de que el hombre pueda ofrecer explicación alguna, se desploma. Mientras tanto, río arriba, dos familias buscan desesperadamente a sus hijas: Alice Armstrong, a la que nadie ha visto desde hace veinticuatro horas, tras el suicidio de su madre; y Amelia Vaughan, desaparecida dos años atrás sin dejar rastro.

 

Erase una vez la taberna de Swan - Diane Setterfield

 

Autora

Diane Setterfield (Reading, Inglaterra; 22 de agosto de 1964), es una escritora inglesa. Estudió literatura francesa en la Universidad de Bristol, se especializó en la creación de la literatura francesa del siglo XX de autores como André Gide y fue profesora de diversos centros tanto públicos como privados, en Inglaterra y en Francia. A finales de los 90, cansada del mundo académico, abandonó su ocupación universitaria para escribir, mientras enseñaba francés a nivel particular.

Su primera novela, El Cuento Número Trece, fue un Best-seller que llegó a ser número uno en la lista de los más vendidos según el New York Times y que tardó cinco años en completar. Enmarcada en la tradición gótica-romántica, esta obra de Setterfield muestra influencias de escritoras como las hermanas Charlotte y Emily Brontë, además de otros clásicos de la novela anglosajona decimonónica a la que confiesa que le ha encantado regresar después de tantos años dedicados a la literatura francesa. Su libro expresa su particular visión de los tradicionales temas de aislamiento, identidad y abandono.​

Aparte de su trabajo novelístico, tiene varias publicaciones de carácter académico sobre literatura francesa de los siglos XIX y XX.

Su segunda novela, El hombre que perseguía al tiempo, fue publicada en 2013.

 

Diane Setterfield

 

¡Buena lectura!